Alors que de nombreux peintres choisissent de recréer les personnes ou les objets immobiles qui les entourent, l'artiste Betty Acquah capture la vie en action. Elle utilise des échantillons de couleurs vives et des motifs fascinants pour illustrer le rythme et la beauté des danses dans son pays natal, le Ghana.

Le style distinct d'Acquah ressemble à la fois aux touches de peinture expressives de Van Gogh et au pointillisme précis de Seurat. Sa palette de couleurs soigneusement organisée est appliquée sur la toile avec d'épais coups de pinceau rectangulaires, voyageant autour des personnages et vers les bords de la toile. En conséquence, ces vortex vifs communiquent l'énergie des personnages en mouvement. “L'arrière-plan fait écho au mouvement des figures et crée donc une surface pulsante qui donne vie à la composition”, dit-elle. “En étendant des touches de couleur dans le sujet à l'arrière-plan et vice-versa, une illusion de mouvement est créée.”

Tous les personnages des peintures d'Acquah portent des vêtements traditionnels qui correspondent à leurs performances. Cependant, leurs visages se fondent dans les éclats de couleur. Ce faisant, l'artiste insiste sur le fait que ces danseurs sont en pleine routine. “Les femmes sont les héroïnes méconnues de la République ghanéenne”, explique Kuaba Gallery, qui représente l'artiste aux États-Unis. “Les images qu'elle dépeint parlent de femmes ordinaires qui travaillent courageusement pour un Ghana prospère.”

Vous pouvez voir les peintures d'Acquah en personne à la galerie Kuaba à Carmel, Indiana.

L'artiste ghanéenne Betty Acquah capture des figures dansantes et en mouvement dans sa série de peintures colorées.

Elle arrange des échantillons de couleur dans des motifs fascinants pour créer un sens du rythme sur la toile.

Galerie Kuaba : Site Web | Facebook | Instagram

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L'artiste céramiste Carol Long capture la délicate complexité de la nature dans ses sculptures en céramique détaillées. Ses formes organiques avec leurs becs torsadés et leurs anses tourbillonnantes prennent souvent la forme d'insectes et d'animaux sauvages. Et sinon, les navires sont sûrs d'avoir un hommage au caractère spectaculaire de la flore et de la faune quelque part sur leurs surfaces. Chaque pièce ornée est minutieusement fabriquée à la main, qu'elle soit jetée sur la roue ou qu'elle les construise à partir de dalles et d'extrusions.

Vient ensuite le moulage et la mise en forme méticuleux de la pièce dans sa forme finale, parsemée de motifs d'ornementation complexes qui imitent ceux qui se produisent naturellement dans la nature. Tout, des ailes de papillon et des oiseaux aux chenilles et aux chrysalides, se perche sur l'art céramique de Long. “La plupart de mes formes commencent par une pièce jetée”, a déclaré Long à My Modern Met. “J'aime pousser les formes pour qu'elles aient l'air fluides, étendre les poignées dans l'espace, glisser les motifs de surface et de glacis pour rassembler l'ensemble de la pièce. C’est peu technologique et long.”

Lorsqu'elle a fini de les sculpter et qu'elles ont complètement séché, chaque pièce est ensuite émaillée et cuite en cône 5. À ce réglage, le four atteint des températures de plus de 2 100 degrés Fahrenheit; et ce qui était autrefois de l'argile molle et malléable est solidifié dans sa configuration finale. “Mais”, explique l'artiste, “ensuite, je passe beaucoup de temps à les salir pour avoir l'air vieilli et leur donner une apparence atmosphérique magique.”

Les récipients en céramique de Long, qu'il s'agisse de vases imposants ou de petits bols à couvercle, parviennent à capturer la fluidité et l'expressivité du médium avec leurs lignes courbes. Les œuvres d'art texturées prennent presque une vie propre, comme des créatures fantaisistes issues de la nature et des propres mains de l'artiste.

Faites défiler pour voir des images des magnifiques sculptures en céramique de Long. Pour en savoir plus sur l'artiste, retrouvez-la sur Facebook et Instagram. Sa poterie est également disponible à l'achat sur Etsy.

L'artiste céramiste Carol Long crée des sculptures en céramique détaillées qui capturent la beauté de la nature.

Toutes sortes de faune et de flore se retrouvent dans ses sculptures en céramique.

Chaque chef-d'œuvre complexe est méticuleusement fabriqué à la main à partir d'argile brute, et les résultats finaux sont époustouflants.

Carol Long Pottery : Site Web | Instagram | Facebook | Etsy

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L'artiste David Zinn donne vie au trottoir avec ses charmantes petites illustrations de personnages à la craie. Pendant des années, nous avons été captivés par ses personnages adorables qui interagissent avec l'environnement qui les entoure. Zinn n'a pas ralenti depuis. Il est prolifique et crée des œuvres d'art qui utilisent de l'herbe et des fissures dans le trottoir dans des illusions d'optique qui révèlent des cochons volants, de petits rongeurs et même des extraterrestres parmi les passants.

Alors que de nombreux artistes ont dû réduire leurs plans en raison de la pandémie, l'art public en plein air de Zinn lui a permis de poursuivre son travail à Ann Arbor, Michigan. Il a utilisé son voisinage immédiat comme une « toile » géante pour son art, trouvant des endroits où ses personnages peuvent s'asseoir et profiter de la vue. Mais certaines de ses pièces les plus accrocheuses utilisent le sol et un autre objet. Des feuilles dressées entre des briques offrent à l'un de ses personnages récurrents, une souris nommée Nadine, des ailes pour qu'elle puisse voler.

“Dans l'ensemble, je suis reconnaissant qu'il existe des opportunités pour des bêtises joyeuses même au milieu de cette période très étrange”, a déclaré Zinn à My Modern Met, “et chanceux que mon art à la craie soit quelque chose que je puisse faire (et que d’autres personnes peuvent en profiter) en toute sécurité et à distance sociale.”

Si vous souhaitez apprendre à dessiner comme Zinn, il a sorti un nouveau livre intitulé Chalk Art Handbook qui contient toutes ses ‘astuces et secrets’. Il est maintenant disponible via Bookshop. Pour plus, assurez-vous de consulter la boutique en ligne de Zinn.

L'artiste David Zinn crée des œuvres d'art à la craie sur le trottoir qui interagissent intelligemment avec l'environnement.

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Combinant une couleur acrylique saisissante et un tissu Ankara imprimé, l'artiste nigériane Marcellina Akpojotor crée des portraits puissants mais intimes. Manipulant de manière experte les médias mixtes pour créer “des formes densément complexes qui font allusion à nos complexités en tant qu'humains”, Akpojotor a déclaré à My Modern Met qu'elle espère que son travail nous permettra de “faire l'expérience des gens à différents niveaux”. Dans chaque pièce, les surfaces texturées des formes de tissu qu'elle construit sont juxtaposées à ses toiles de fond à l'acrylique, lisses et colorées. Chaque collage multidimensionnel fait allusion à quelque chose de plus profond, faisant subtilement ressortir les diverses personnalités de ses sujets et nous permettant de les voir sous un jour différent.

Les bouquets de tissus qu'elle emploie varient en type et proviennent de différentes sociétés et cultures africaines. Leurs origines distinctes se rejoignent et coexistent sur sa toile, se rencontrant pour créer des images belles et complexes qui vont au-delà de ce qui se trouve à la surface. “Pour moi, cela montre que nous avons tous un rôle à jouer dans le grand ordre des choses”, explique Akpojotor. Elle a d'abord commencé à incorporer des tissus dans son travail en utilisant les vieux vêtements de sa mère pour créer des bijoux et des sacs. Et alors qu'elle commençait à expérimenter avec les tissus de ses œuvres, les résultats ont complètement transformé sa pratique et continuent d'inspirer son travail aujourd'hui.

“Je m'inspire de la vie quotidienne ainsi que de ma lignée maternelle, en particulier de son lien avec la féminité, l'identité personnelle et sociétale et les problèmes liés à l'autonomisation des femmes dans la société contemporaine”, raconte Akpojotor. “Je suis également fascinée par les traits générationnels et la façon dont ils informent le présent et façonnent l'avenir. Je vois les humains comme des êtres complexes et les matériaux textiles étaient un excellent moyen de représenter cela ainsi que de créer des liens avec mon public. J'espère que les textures et les diverses caractéristiques des tissus attireront le spectateur et lui permettront de s'immerger dans l'histoire.”

Pour voir plus d'œuvres d'art exquises d'Akpojotor, visitez le site Web de l'artiste et suivez-la sur Instagram.

L'artiste nigériane Marcellina Akpojotor utilise des tissus d'Ankara et de l'acrylique pour créer des portraits intimes et colorés.

Son travail explore la féminité, l'identité personnelle et sociétale et les questions entourant l'autonomisation des femmes dans la société contemporaine.

Chaque œuvre mixte poignante fait allusion à nos complexités en tant qu'humains et nous invite à regarder un peu plus profondément.

Marcellina Oseghale Akpojotor : Site Web | Instagram | Twitter

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Il n'est pas facile de créer un objet en trois dimensions dans un support en deux dimensions, mais l'artiste An Jae-hyun montre comment il le fait dans sa série d'illustrations étape par étape. Le professeur d'art basé en Corée utilise des formes, des perspectives et des mesures pour créer des dessins réalistes de différents objets qui semblent sortir de la page.

Des bouteilles de soda en verre à une bague en diamant en passant par un papillon, Jae-hyun montre comment chacun de ces sujets uniques et complexes peut être décomposé en formes simplifiées. “Les papillons peuvent être facilement dessinés sous diverses formes en les pliant et en les dépliant dans la structure de nouilles”, explique-t-il dans un post Instagram. L'artiste montre ensuite comment les formes géométriques doivent être manipulées en fonction de l'angle de l'objet.

Jae-hyun fait de l'illustration finale l'élément principal de la feuille de papier. Cette version terminée ressemble toujours à une version à échelle de gris de la réalité, comme si elle était suffisamment réelle pour être touchée. L'ombrage incroyablement doux et le dessin au trait habilement traité montrent la maîtrise de la discipline par l'artiste. Il se porte garant que chacun peut améliorer son dessin s'il s'exerce à utiliser les bases le plus souvent possible.

Faites défiler pour voir d'autres dessins réalistes de Jae-hyun et restez au courant des dernières œuvres de l'artiste en le suivant sur Instagram.

L'artiste coréen An Jae-hyun crée des dessins au crayon incroyablement réalistes qui semblent sortir de la page.

An Jae-hyun : Instagram

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À gauche : vue de l'installation L'Enfant bleu par Thomas Gainsborough (vers 1770) dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.
À droite : vue de l'installation A Portrait of a Young Gentleman par Kehinde Wiley (2021) dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Pendant des décennies, L'Enfant bleu par Thomas Gainsborough a marqué les traditions européennes du portrait. Il dépeint un jeune garçon dans son adolescence vêtu d'une tenue azur luxueuse et portant un bonnet à plumes dans une main. La peinture emblématique est exposée au Huntington à Saint-Marin, en Californie, depuis que Henry et Arabella Huntington ont acquis la pièce dans les années 1920. Pour célébrer le 100e anniversaire de l'achat de ce tableau par la succession Huntington, le musée a chargé l'artiste américain Kehinde Wiley, qui a créé le portrait présidentiel du président Barack Obama en 2017, de réaliser une version contemporaine de ce portrait qui se connecte avec le public d'aujourd'hui.

La pièce, intitulée A Portrait of a Young Gentleman, présente un jeune homme noir d'un âge comparable à L'Enfant bleu en streetwear moderne, comprenant un t-shirt tie-dye orange et noir, un short bleu et des baskets noires. Il porte une casquette de baseball dans une main et se tient dans une position légèrement contrapposto avec l'autre main posée sur sa hanche, tout comme son homologue du XVIIIe siècle. Ces similitudes intentionnelles rendent hommage aux techniques classiques tout en réimaginant l'art d'Europe occidentale pour être plus inclusif. “J'ai adoré les galeries de The Huntington; les peintures de Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough et John Constable étaient parmi mes préférées”, dit Wiley. “J'ai été captivé par leurs images, leur spectacle à l'état pur et, bien sûr, leur beauté.”

“Comme je me sentais un peu éloigné de l'imagerie – personnellement et culturellement – j'ai adopté une approche scientifique et j'ai eu une fascination esthétique pour ces peintures. Cette distance m'a donné une liberté éloignée. Plus tard, j'ai commencé à réfléchir aux problèmes de désir, d'objectivation et de fantaisie. dans le portrait et, bien sûr, le colonialisme.”

A Portrait of a Young Gentleman a été installé à l'autre bout de la salle de L'Enfant bleu, incitant les visiteurs à comparer le passé avec le présent. “En ajoutant une œuvre de Kehinde Wiley à notre collection et en l'exposant dans notre galerie d'art historique la plus prisée, nous examinons notre histoire commune et commençons à préparer notre avenir”, ajoute Christina Nielsen, directrice de Hannah et Russel Kully de le musée d'art au Huntington.

A Portrait of a Young Gentleman sera exposé à la Thornton Portrait Gallery du Huntington Museum jusqu'au 3 janvier 2022. De plus, L'Enfant bleu se rendra au Royaume-Uni en janvier 2022 pour une exposition à la National Gallery de Londres — 100 ans après son déménagement en Californie.

A Portrait of a Young Gentleman par Kehinde Wiley a été installé au Huntington, près du tableau du XVIIIe siècle de Thomas Gainsborough, L'Enfant bleu.

Kehinde Wiley, A Portrait of a Young Gentleman, 2021. Huile sur toile de lin, 87 × 64 × 5 1/4 in. (cadre). © Kehinde Wiley. Collection de The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens, et commandée par Roberts Projects, Los Angeles.

Cette peinture de portrait contemporaine rend hommage aux techniques classiques, tout en remettant en question les valeurs du passé.

Vue de l'installation A Portrait of a Young Gentleman par Kehinde Wiley (2021) dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Il sera exposé au Huntington jusqu'au 3 janvier 2022.

Vue de l'installation L'Enfant bleu (vers 1770) par Thomas Gainsborough dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Vue de l'installation dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. De gauche à droite : Joshua Reynolds, Diana (Sackville), vicomtesse Crosbie, 1777 ; Kehinde Wiley, A Portrait of a Young Gentleman, 2021 ; Thomas Gainsborough, Elizabeth (Jenks) Beaufoy, plus tard Elizabeth Pycroft, ca. 1780. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Vue de l'installation dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Vue de l'installation dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Apprenez-en plus sur A Portrait of a Young Gentleman de Wiley en regardant cette vidéo :

The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens : Site Web | Facebook | Instagram

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Ian Strange, 2021, “LIGHT INTERSECTIONS II,” Installation Publique, Sydney Australie. (Images avec l'aimable autorisation de l'artiste.)

L’artiste transdisciplinaire Ian Strange s’est fait un nom grâce à ses œuvres inspirantes qui explorent les éléments de l’architecture, de l’espace et de notre concept de foyer. Dans l’une de ses œuvres les plus récentes, intitulée LIGHT INTERSECTIONS II, l’artiste transforme une maison victorienne délabrée, située en bordure de Sydney, en Australie, avec une installation lumineuse frappante. Ian Strange transfigure la façade couverte de graffitis du bâtiment, transformant la perspective linéaire en faisceaux de lumière qui perforent l’extérieur du bâtiment et percent ses murs intérieurs.

“Les lignes de lumière dans Intersections sont une tentative de remplacement des lignes de perspective abstraites dans l’environnement”, explique l'artiste. “Ces lignes de perspective n’apparaissent pas dans la nature, mais sont des éléments de base de la peinture, du dessin et de l’architecture, utilisés pour contenir, représenter et changer l’environnement naturel.”

Ian Strange est peut-être mieux connu pour ses interventions architecturales à grande échelle qui déstabilisent notre compréhension de l’utilité et de la fonction de certains environnements construits. Et dans la même veine, ce travail sert à éclairer cet édifice négligé d’une perspective nouvelle, à la fois au sens propre et au sens figuré. “Tous mes projets proviennent d’une pratique du dessin, explique l’artiste. Je me suis donc toujours intéressé à la façon dont la ligne dessinée se manifeste dans le monde réel, en particulier la façon dont les architectes et les artistes utilisent les lignes de perspective pour interpréter et aussi changer le paysage.”

LIGHT INTERSECTIONS II a été commandée par la Ville de Sydney dans le cadre d’une série d’œuvres d’art public et s’inscrit dans la continuité d’une série en cours qui a débuté avec l’installation lumineuse de 2019 au Lyon Housemuseum, juste à l’extérieur de Melbourne. Ian Strange a terminé cette dernière version du projet en collaboration avec la firme de design australienne OFFICE et la société de production Scoundrel Projects. Ensemble, ils ont conçu plus de 120 mètres d’éclairage LED et d’acier d’ingénierie afin de créer l’illusion que les faisceaux de lumière flottaient dans les airs en pénétrant la maison à deux étages.

Découvrez des images de l’installation lumineuse spectaculaire d'Ian Strange ci-dessous. Pour en savoir plus sur l’artiste, visitez son site Web ou suivez-le sur Instagram. Vous pouvez également en apprendre davantage sur LIGHT INTERSECTIONS II en lisant l’essai qui l’accompagne, intitulé Threads of Vision, du professeur agrégé de l’Université de Melbourne, Rory Hyde.

L’artiste transdisciplinaire Ian Strange a créé une installation lumineuse spectaculaire dans une maison victorienne délabrée.

Le projet est intitulé LIGHT INTERSECTIONS II.

Les faisceaux de lumière qui se croisent représentent les lignes de perspective linéaire qui sont abstraites puis réinsérées dans la structure.

Ian Strange : Site Web | Instagram | Facebook | Twitter

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Vous avez déjà imaginé pouvoir pénétrer dans une œuvre d’art particulièrement fascinante ? L’artiste numérique Cybriss se spécialise dans la création de portails vers des environnements apaisants et surnaturels qui peuvent aider les gens à se détendre.

Chacune de ces manipulations numériques comporte de subtils éléments oniriques qui rehaussent la beauté du paysage. Dans une composition, par exemple, Cybriss place quatre orbes lumineux dans un champ verdoyant. Leur lumière douce et attrayante attire le regard du spectateur vers différents points du décor jusqu’à ce qu’ils atteignent l’horizon brumeux. De même, une autre pièce dépeint une plaine stérile, adoucie par un brouillard dense, et dont la seule caractéristique est une simple coupole, d'où émane une douce lumière dorée.

“Mon art est fortement inspiré par les livres et les films de science-fiction et le surréalisme,” raconte Cybriss à My Modern Met. “Je crée des mondes magiques pour aider l’esprit à se détendre.” L'artiste réalise cette impression de calme en incluant ces sujets légèrement extraordinaires, et en laissant de côté tout sujet figuratif ou animal. En outre, puisque tous ces environnements hypnotiques sont vide, on peut donc plus facilement se placer à l’intérieur de la scène.

Vous pouvez vous tenir au courant des dernières créations de l’artiste sur Instagram.

L'artiste Cybriss crée des paysages surréalistes avec des touches lumineuses qui inspirent la détente et la tranquillité.

Cybriss : Instagram | Rarible

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Lorsque l'on souffre d’un trouble mental, les mots peuvent sembler futiles lorsqu'il s'agit de saisir pleinement le spectre de cette affliction. L’artiste Pulkit Kamal a visualisé comment l’anxiété en particulier se ressent pour lui dans une animation poignante. Le rendu numérique est une scène nocturne unique dans laquelle une personne est assise sur un fauteuil surplombant la ville scintillante en contrebas. La pluie glisse le long de la grande fenêtre et le “o” d’un néon clignote comme s’il brûlait. Le personnage se penche vers l’avant, comme pour avoir une meilleure vue, mais finit par s’asseoir comme s’il était collé au siège.

Kamal a créé ce gif pour décrire son expérience des pensées anxieuses. “J’ai de l’anxiété depuis une dizaine d’années maintenant”, raconte-t-il à My Modern Met, “et même si nous voyons des gens utiliser ce terme au sens large dans des films, pour moi, c’est cette peur constante de l’inconnu, on peut sentir qu’elle est là, mais on ne peut pas valider sa présence.”

L’expérience est paralysante pour Kamal. “Pendant des heures, je restais allongé à regarder le coin du mur, se souvient-il, en espérant que mon cerveau arrêterait de remplir les blancs et arrêterait de faire ses propres scénarios de choses qui n’arriveraient jamais.” C’est à travers cette œuvre numérique qu’il veut symboliser l’anxiété dans l’espoir de faire la différence pour quelqu’un d’autre. “Je voulais simplement montrer ce sentiment à travers mon art et peut-être tendre la main aux gens et leur faire savoir qu’ils ne sont pas seuls dans cette situation.”

L’artiste Pulkit Kamal crée des animations cinématographiques à l’aide du logiciel Blender.

 

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Pulkit Kamal : Instagram | Behance 

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Chaque ville a sa propre personnalité, qui transparaît dans les bâtiments qui bordent les rues. L’architecte polonaise Maja Wrońska saisit l’esprit des différentes villes d’Europe et d’ailleurs dans sa série de peintures à l’aquarelle.

Originaire de Zyrardow, en Pologne, l’artiste a suivi une formation d’architecte à l’Université de technologie de Varsovie. Par la suite, elle a combiné son amour et sa connaissance des bâtiments avec sa passion pour la peinture. “En tant qu’architecte, je trouve les villes et les bâtiments très inspirants”, explique Wrońska à My Modern Met. “Je n’essaie jamais de peindre des œuvres réalistes qui ressemblent à des photos. J’ai plutôt choisi des palettes de couleurs. J’essaie de montrer l’ambiance et le climat de l’endroit et de mettre l’accent sur la beauté des villes et des bâtiments.”

Son art dépeint des lieux à travers toute l’Europe, y compris Bologne, Malaga, et Paris, pour n’en nommer que quelques-uns. Alors que certains de ces lieux sont peints sur place, d’autres sont réalisés à l’aide de références photographiques. En 2020, Wrońska a même publié elle-même un livre de coloriage intitulé Southern European Cities, qui explore certaines des “destinations de vacances les plus populaires en Europe qui sont difficiles à atteindre et à explorer en raison du confinement”.

Vous pouvez acheter des peintures et des tirages originales de Wrońska via son Site Web et vous tenir au courant de ses dernières créations en la suivant sur Instagram.

L’artiste polonaise Maja Wrońska crée des aquarelles exquises de villes et d’architecture classique.

Chaque tableau est un aperçu d’une ville dynamique riche en architecture, culture et personnalité.

Maja Wrońska : Site Web | Behance | Instagram

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