Alors que de nombreux peintres choisissent de recréer les personnes ou les objets immobiles qui les entourent, l'artiste Betty Acquah capture la vie en action. Elle utilise des échantillons de couleurs vives et des motifs fascinants pour illustrer le rythme et la beauté des danses dans son pays natal, le Ghana.

Le style distinct d'Acquah ressemble à la fois aux touches de peinture expressives de Van Gogh et au pointillisme précis de Seurat. Sa palette de couleurs soigneusement organisée est appliquée sur la toile avec d'épais coups de pinceau rectangulaires, voyageant autour des personnages et vers les bords de la toile. En conséquence, ces vortex vifs communiquent l'énergie des personnages en mouvement. “L'arrière-plan fait écho au mouvement des figures et crée donc une surface pulsante qui donne vie à la composition”, dit-elle. “En étendant des touches de couleur dans le sujet à l'arrière-plan et vice-versa, une illusion de mouvement est créée.”

Tous les personnages des peintures d'Acquah portent des vêtements traditionnels qui correspondent à leurs performances. Cependant, leurs visages se fondent dans les éclats de couleur. Ce faisant, l'artiste insiste sur le fait que ces danseurs sont en pleine routine. “Les femmes sont les héroïnes méconnues de la République ghanéenne”, explique Kuaba Gallery, qui représente l'artiste aux États-Unis. “Les images qu'elle dépeint parlent de femmes ordinaires qui travaillent courageusement pour un Ghana prospère.”

Vous pouvez voir les peintures d'Acquah en personne à la galerie Kuaba à Carmel, Indiana.

L'artiste ghanéenne Betty Acquah capture des figures dansantes et en mouvement dans sa série de peintures colorées.

Elle arrange des échantillons de couleur dans des motifs fascinants pour créer un sens du rythme sur la toile.

Galerie Kuaba : Site Web | Facebook | Instagram

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À gauche : vue de l'installation L'Enfant bleu par Thomas Gainsborough (vers 1770) dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.
À droite : vue de l'installation A Portrait of a Young Gentleman par Kehinde Wiley (2021) dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Pendant des décennies, L'Enfant bleu par Thomas Gainsborough a marqué les traditions européennes du portrait. Il dépeint un jeune garçon dans son adolescence vêtu d'une tenue azur luxueuse et portant un bonnet à plumes dans une main. La peinture emblématique est exposée au Huntington à Saint-Marin, en Californie, depuis que Henry et Arabella Huntington ont acquis la pièce dans les années 1920. Pour célébrer le 100e anniversaire de l'achat de ce tableau par la succession Huntington, le musée a chargé l'artiste américain Kehinde Wiley, qui a créé le portrait présidentiel du président Barack Obama en 2017, de réaliser une version contemporaine de ce portrait qui se connecte avec le public d'aujourd'hui.

La pièce, intitulée A Portrait of a Young Gentleman, présente un jeune homme noir d'un âge comparable à L'Enfant bleu en streetwear moderne, comprenant un t-shirt tie-dye orange et noir, un short bleu et des baskets noires. Il porte une casquette de baseball dans une main et se tient dans une position légèrement contrapposto avec l'autre main posée sur sa hanche, tout comme son homologue du XVIIIe siècle. Ces similitudes intentionnelles rendent hommage aux techniques classiques tout en réimaginant l'art d'Europe occidentale pour être plus inclusif. “J'ai adoré les galeries de The Huntington; les peintures de Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough et John Constable étaient parmi mes préférées”, dit Wiley. “J'ai été captivé par leurs images, leur spectacle à l'état pur et, bien sûr, leur beauté.”

“Comme je me sentais un peu éloigné de l'imagerie – personnellement et culturellement – j'ai adopté une approche scientifique et j'ai eu une fascination esthétique pour ces peintures. Cette distance m'a donné une liberté éloignée. Plus tard, j'ai commencé à réfléchir aux problèmes de désir, d'objectivation et de fantaisie. dans le portrait et, bien sûr, le colonialisme.”

A Portrait of a Young Gentleman a été installé à l'autre bout de la salle de L'Enfant bleu, incitant les visiteurs à comparer le passé avec le présent. “En ajoutant une œuvre de Kehinde Wiley à notre collection et en l'exposant dans notre galerie d'art historique la plus prisée, nous examinons notre histoire commune et commençons à préparer notre avenir”, ajoute Christina Nielsen, directrice de Hannah et Russel Kully de le musée d'art au Huntington.

A Portrait of a Young Gentleman sera exposé à la Thornton Portrait Gallery du Huntington Museum jusqu'au 3 janvier 2022. De plus, L'Enfant bleu se rendra au Royaume-Uni en janvier 2022 pour une exposition à la National Gallery de Londres — 100 ans après son déménagement en Californie.

A Portrait of a Young Gentleman par Kehinde Wiley a été installé au Huntington, près du tableau du XVIIIe siècle de Thomas Gainsborough, L'Enfant bleu.

Kehinde Wiley, A Portrait of a Young Gentleman, 2021. Huile sur toile de lin, 87 × 64 × 5 1/4 in. (cadre). © Kehinde Wiley. Collection de The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens, et commandée par Roberts Projects, Los Angeles.

Cette peinture de portrait contemporaine rend hommage aux techniques classiques, tout en remettant en question les valeurs du passé.

Vue de l'installation A Portrait of a Young Gentleman par Kehinde Wiley (2021) dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Il sera exposé au Huntington jusqu'au 3 janvier 2022.

Vue de l'installation L'Enfant bleu (vers 1770) par Thomas Gainsborough dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Vue de l'installation dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. De gauche à droite : Joshua Reynolds, Diana (Sackville), vicomtesse Crosbie, 1777 ; Kehinde Wiley, A Portrait of a Young Gentleman, 2021 ; Thomas Gainsborough, Elizabeth (Jenks) Beaufoy, plus tard Elizabeth Pycroft, ca. 1780. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Vue de l'installation dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Vue de l'installation dans la Thornton Portrait Gallery du Huntington. Photo : Joshua White. The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens.

Apprenez-en plus sur A Portrait of a Young Gentleman de Wiley en regardant cette vidéo :

The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens : Site Web | Facebook | Instagram

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Des champs herbeux aux nuages turbulents, les paysages sont constitués de nombreuses textures. L'artiste canado-britannique Georgia Hart illustre la beauté superposée de l'horizon dans ses saisissantes peintures à l'huile empâtées. Elle utilise exclusivement des couteaux à palette pour créer les nombreuses formes sur papier.

“Les pics de peinture épais incorporent une autre couche dans mon travail, contrastant avec le papier à l'huile délicat et immaculé qui encadre délibérément des scènes audacieuses et souvent accidentées”, explique-t-elle à My Modern Met. “Ces qualités 3D permettent à l'œuvre d'être plus qu'une peinture de paysage : elle vise à évoquer une émotion intense tout en servant de fenêtre sur un endroit à la fois familier et distant.”

Les liens de Hart avec le Canada et l'Angleterre sont évidents dans son sujet, car elle dépeint souvent les sommets des montagnes du Canada ainsi que les plages immaculées de Cornouailles dans le sud-ouest de l'Angleterre. Chaque pièce semble capturer un moment distinct dans le temps, dans lequel les nuages ​​se précipitent dans le ciel et la lumière frappe le paysage ci-dessous d'une manière spécifique. “J'utilise la peinture comme un moyen d'explorer le changement dans les paysages : en considérant comment la perspective, la météo et les saisons peuvent créer une humeur incontrôlable et fugace. Les couteaux à palette ajoutent une touche expressive à mon travail de représentation.”

Vous pouvez acheter des œuvres originales via le site Web de Hart et vous tenir au courant de ses dernières créations en suivant l'artiste sur Instagram.

L'artiste canado-britannique Georgia Hart crée des peintures de paysages texturés saisissantes à l'aide d'un couteau à palette.

Les œuvres expressives sont souvent peintes sur papier à l'huile.

Georgia Hart : Site Web | Instagram

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“Mother Mycelium.”

Les plantes et les animaux travaillent en harmonie tous les jours pour créer un bel écosystème. Bien que la beauté de cette relation échappe souvent à notre attention, l’artiste basé à Los Angeles Jon Ching la met en avant avec sa série frappante de peintures à l’huile. Chacune de ces pièces fantastiques combine des espèces de flore et de faune dans des hybrides uniques que l’artiste appelle affectueusement “flauna.”

Des chouettes couvertes de mousse et de champignons aux poissons qui se fondent dans la coloration des fleurs, et aux hippocampes donnant naissance à des fleurs et des feuilles fraîches, Ching crée un éventail de combinaisons colorées. “Les merveilles infinies du monde naturel inspirent mon œuvre; car lorsqu'on se rend compte qu’il y a de la magie dans chaque cellule de chaque organisme vivant, on ne peut pas détourner le regard”, raconte Ching à My Modern Met. “Pour moi, non seulement les formes de vie sont magiques, mais également les interconnexions qui les relient. Il est tentant de décrire cet équilibre complexe de millions d’organismes comme surnaturel, mais en réalité, c’est clairement la définition de naturel.”

Une partie de l’attrait des peintures conceptuelles de Ching est la façon magistrale dont il exécute ces créatures surréalistes. Bien qu’imaginaires, ils apparaissent au spectateur comme réalistes et finement détaillés. “Mon processus commence par beaucoup d’observation de la couleur, de la forme, des motifs, et des qualités idiosyncrasiques qui à la fois font quelque chose d’unique, mais font aussi référence à autre chose,” poursuit-il. “Ces connexions, grandes et petites, sont des rappels que nous sommes tous liés en tant qu’êtres vivants sur cette planète et agissent comme des points de connexion.”

De plus, les créatures “flauna” de Ching semblent représenter la complexité de différents environnements. “Ces nouvelles créatures jouent des rôles d’allégorie et de métaphore dans mon travail, avertissant des dangers à venir, nous rappelant les leçons oubliées ou purement pour montrer que la magie EST réelle”, explique l’artiste.

Vous pouvez acheter des tirages et des œuvres d’art originales via la boutique en ligne de Ching, et vous tenir au courant de ses derniers projets et des expositions à venir en suivant l’artiste sur Instagram.

L’artiste basé à Los Angeles Jon Ching crée des peintures à l’huile fantastiques d’animaux fusionnés avec la vie végétale.

“Sheila Ann”

Ching appelle ces créatures hybrides “flauna”, une combinaison de flore et de faune.

“Razzle Dazzle”

Ces créatures imaginaires nous rappellent que nous sommes tous connectés.

“Nectar”

“Aquaria”

“Homestead”

“Sprite”

“Chasing Summer”

“Puhpowee”

Jon Ching : Site Web | Facebook | Instagram

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“An Echo of Light and Lace”

Les éventails ont une longue et fascinante histoire en tant qu'outils et œuvres d'art. L'artiste australienne Sarah Park explore leur fonction et leur beauté dans sa série de peintures à l'huile en cours. Chaque toile présente une figure humaine réaliste tenant un éventail ouvert, créant un motif complexe dans les ombres qui recouvrent leur peau.

Park a étudié les beaux-arts à l'UNSW COFA à Sydney, où elle a obtenu un Master en art et un Masters de recherche en beaux-arts. Pendant qu'elle étudiait, elle a remporté des prix en peinture, en dessin et en photographie. Sa fascination pour la relation entre la lumière et l'ombre l'a inspirée à créer une série de peintures dans lesquelles des personnages anonymes posent avec des éventails.

Ces œuvres très réalistes se concentrent sur les mains du sujet, qui ouvrent un éventail pour bloquer la lumière. “Je vise à susciter la curiosité derrière mes sujets, grâce à l'utilisation de scènes soigneusement composées qui capturent le jeu complexe de la lumière et des ombres”, a déclaré Park à My Modern Met. Ses compositions simples améliorent les effets magiques de la lumière tachetée sur l'espace et la figure humaine. “Je veux encourager le public à voir la beauté, à prendre plaisir aux détails qui pourraient autrement passer inaperçus, et à chérir et apprécier les moments de détentes.”

Vous pouvez acheter des œuvres d'art et des impressions originales via Bluethumb et vous tenir au courant des derniers projets de Park en la suivant sur Instagram.

L'artiste australienne Sarah Park crée des peintures à l'huile exquises de personnes tenant des éventails délicats.

“Cloacked in the Beauty of Dancing Shadows and Dappled Light”

Ses toiles capturent les ombres complexes créées par les détails de l'éventail.

“A Bloom of Dappled Lace”

“Luminous Patterns”

“Illuminating Blossoms”

Sarah Park : Site Web | Bluethumb | Instagram

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“Morphic Resonance”

Selon la façon dont vous regardez une des peintures de Lee Wagstaff, vous pouvez voir un motif ou un visage. C’est parce que l’artiste basé à Berlin utilise des motifs géométriques répétés dans une couleur uniforme pour créer ses portraits à l’huile, cachant les traits du visage aux spectateurs jusqu’à ce qu’ils voient son travail à la bonne distance.

“Le matériel source provient de visages générés par l’IA (aucune des personnes représentées n’a jamais existé ou n’existera jamais dans le monde réel),” explique Wagstaff à My Modern Met. “Avec ces peintures, je voulais voir comment les données d’images des visages originaux pouvaient être altérées, enlevées ou camouflées tout en conservant l’essence des formes originales.”

Pour intégrer un portrait dans le motif, Wagstaff apporte des changements subtils au design. Dans Morphic Resonance, par exemple, il élargit les traits des anneaux qui se chevauchent dans les zones clés du visage — les sourcils, les yeux, le nez et les lèvres — créant des ombres à la place des traits. Le degré de raffinement qu’il est capable d’ajouter au portrait dépend de la délicatesse du motif. Des designs plus audacieux comme Fountain Head, par exemple, révèlent un visage légèrement plus simple que des motifs plus complexes comme Definable Aspect.

Vous pouvez acheter des imprimés et des peintures originales via la boutique en ligne de Wagstaff et vous tenir au courant de ses dernières créations en suivant l’artiste sur Instagram.

L’artiste berlinois Lee Wagstaff réalise des portraits hypnotiques à l’aide de motifs géométriques répétés.

“The Shape of Things to Come”

Il utilise les visages générés par l’intelligence artificielle comme inspiration pour chaque œuvre.

“Definable Aspect”

Ces peintures deviennent plus claires lorsqu’elles sont vues de loin ou à travers un appareil photo.

“Monument”

“Twin”

“Special Activities”

“Fountain Head”

“Resistance to Order”

“Somehow We Survived”

“Nature Loves Novelty”

Lee Wagstaff : Site Web | Facebook | Instagram

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“Ravens Shadow”

Certains artistes créent des peintures qui ressemblent à la vie réelle, tandis que Daniel Bilmes crée des peintures qui ressemblent entièrement à un autre médium. L’artiste basée à Los Angeles tisse des figures féminines éthérées dans des environnements abstraits en grattant la peinture lorsqu'elle est presque sèche. En conséquence, ses sujets semblent flotter dans un paysage onirique envoûtant.

La prochaine exposition personnelle de Bilmes, Eternal Recurrence, présente un mélange de portraits abstraits avec des motifs naturels, ainsi que des peintures figuratives complètes. Il lie la série grâce à son style textural distinct, et en utilisant une palette de bruns, crèmes, roses, et un peu de bleu. “Je me suis toujours intéressé à la façon dont quelque chose est construit – par exemple, je vais me perdre dans la façon dont une figure, une main ou un tissu se tiennent – le rythme visuel des textures me fascine,” raconte Bilmes à My Modern Met. “Je me concentre autant sur la façon dont mes peintures prennent vie, que sur le produit fini.”

La série met l’accent sur la puissance visuelle de la texture à travers les nombreuses lignes “peignées” à travers la peinture. “J’essaie d’insuffler autant de mouvement et d’énergie que possible au début de chaque peinture”, poursuit-il. “Je commence par les coups de pinceau les plus longs et je descends. J’aime beaucoup déplacer la peinture lorsqu’elle est mouillée, puis la gratter quand elle est sèche.” Ce processus méticuleux crée une apparence “dessinée à la main”, comme si les œuvres étaient réalisées au pastel, plutôt que de la peinture à l’huile. Cette technique met également l’accent sur les textures de la peau, des vêtements et des cheveux.

La plupart des sujets émergent de leur arrière-plan comme s’ils en faisaient partie. Ce regard un peu inachevé donne l’impression qu’une narration se déroule alors que le spectateur regarde la peinture. De plus, le lien entre les figures et le petit monde qu’elles occupent crée une énergie palpable sur la toile. “Je tisse mes figures dans des environnements abstraits où elles sont poussées et tirées par le temps et le destin,” explique Bilmes. “Une grande partie de l’histoire se trouve dans les coups de pinceau et les rythmes visuels.”

Eternal Recurrence sera présenté à l’Arcadia Contemporary de New York du 18 septembre au 3 octobre 2021. Vous pouvez également acheter des tirages via la boutique en ligne de Bilmes, et vous tenir au courant de ses dernières créations et spectacles en suivant l’artiste sur Instagram.

L’artiste basé à Los Angeles Daniel Bilmes crée des peintures figuratives exquises de femmes utilisant des coups de pinceau expressifs.

“The Weavers”

Son exposition personnelle The Eternal Recurrence sera présentée du 18 septembre au 3 octobre 2021 à l’Arcadia Contemporary de New York.

“Emma”

“Clotho (The Spinner)”

“Ophelia”

“Atropos (The Inflexible)”

“Veiled V”

“Lachesis (The Allotter)”

“Fluorescence”

“Famous Blue Raincoat”

“Self-Portrait, Age 31”

“The Fates”

“The Silk”

Daniel Bilmes : Site Web | Instagram

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Tout le monde aime recevoir un bouquet de fleurs fraîches, mais combien de fois faisons-nous attention à leurs détails plus fins ? L’artiste ukrainienne Ira Volkova facilite l’étude des structures délicates des pétales dans ses peintures à l’huile massives. Elle capture une variété de fleurs de couleur pastel avec une précision magistrale.

Basée à Kiev, Volkova a reçu une formation formelle en peinture à l’Académie nationale des beaux-arts et de l’architecture de Kiev. Depuis, elle a développé sa pratique professionnelle en créant des représentations à grande échelle de fleurs. Ces peintures présentent généralement des fleurs aux délicates teintes acidulées et placées sur un fond abstrait qui souligne leur fragilité. “Chacune de mes peintures est une représentation de l’idéal” explique Volkova.

Volkova utilise également des fleurs dans des portraits expressifs. Elle combine son expertise du rendu de la vie végétale avec des figures humaines réalistes, plaçant les fleurs devant le visage de la personne. Ceci obscurcit l’identité du modèle et l'enveloppe d'une atmosphère mystique naturelle séduisante.

Découvrez les peintures étonnantes de Volkova ci-dessous, et suivez l’artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L’artiste ukrainienne Ira Volkova crée des peintures à l’huile éthérées de différents types de fleurs à grande échelle.

Regardez ces vidéos pour un aperçu du processus créatif de Volkova :

 

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Ira Volkova : Site Web | Instagram

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Depuis son diplôme de l’Académie d’art de Florence en 2016, la peintre espagnole Elena Gual a continué à développer sa pratique artistique. Elle s’appuie sur des techniques plus académiques pour établir son propre style audacieux et pictural. Basée à Londres, l’artiste talentueuse canalise une grande partie de sa production vers le portrait et les images de la forme féminine, transmettant la force, la puissance et la beauté de la féminité avec des impastos, des empâtements de peinture, sur ses toiles. Ses peintures ont tendance à capturer une lumière unique, capturée par la juxtaposition presque géométrique de ses coups de pinceau denses. De cette lumière naît une douceur qui est soulignée par les contours fermes de ses sujets, qui semblent bondir de la surface plane de la toile.

“J’ai toujours été connecté à la forme humaine”, raconte Gual à My Modern Met, “d’autant plus que je suis diplômée de l’Académie des beaux-arts de Florence. Alors que j'étudiais là-bas, j’ai senti que je devais exprimer ces émotions avec ma propre signature, mon propre style de peinture. En ce moment, j’essaie d’explorer les sentiments que les femmes évoquent, car je pense qu’il y a tellement à dire à leur sujet. Je pense que le travail d’un artiste est en quelque sorte un reflet de soi. En fin de compte, mon travail est ma biographie. Depuis mon plus jeune âge, j’ai eu la chance de voyager sur tous les continents. Lors de ces voyages, j’ai pu rencontrer des femmes extraordinaires dans des lieux reculés où j’ai appris que toutes les femmes ne peuvent pas s’exprimer librement. C’est ce qui m’a poussée à commencer à leur donner une voix, et j’essaie de continuer à le faire à travers mon travail.”

Faites défiler pour voir des images des peintures incroyables d'Elena Gual. Pour vous tenir au courant des derniers travaux de l'artiste, rendez-vous sur son site web ou suivez-la sur Instagram.

L'artiste Espagnole Elena Gual capture des portraits puissants de femmes à l'aide de la technique de l'impasto.

L'artiste cherche à donner du pouvoir aux femmes en leur donnant une voix, et en canalisant son art dans des portraits et des représentations de la forme féminine.

Ses peintures transmettent le pouvoir, la force et la beauté de la féminité à travers leurs couleurs vives, et des coups de pinceau fermes et décisifs.

Elena Gual: Site Web | Instagram

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