Murgaño (Foto: Leo Lanna / National Geographic)

El biólogo, fotógrafo y explorador de National Geographic brasileño Leo Lanna es un apasionado de la naturaleza. Esta pasión lo ha llevado ha convertirse en un experto en la mantis religiosa. Desde 2015, junto con el diseñador Lvcas Fiat, Lanna ha explorado el micromundo de los insectos gracias a su organización sin fines de lucro, Projeto Mantis. Al unir la ciencia, el arte y la tecnología, esperan ofrecer una nueva perspectiva sobre el estado de la Amazonía.

En octubre de 2021, gracias a una subvención de la National Geographic Society, Lanna pudo pasar un mes en el Amazonas con su equipo. Allí, se adentraron en lo desconocido de la selva por la noche. Usando luz ultravioleta, pudieron ver especies increíbles que normalmente están escondidas en la oscuridad. Esto llevó a Lanna hallar 10 especies potencialmente nuevas de mantis religiosas, así como otras maravillas por descubrir a medida que analiza los datos que recopiló.

Al revelar este mundo oculto y mostrarlo al público, Lanna espera que las personas puedan entablar una conexión más profunda con la Amazonía. Para Lanna, quien estudió administración de empresas antes de descubrir su amor por la biología, la expedición es solo un paso más en su carrera. Mientras estudia una maestría en zoología, también continuará su trabajo de campo y su trabajo con Projeto Mantis para construir una experiencia virtual de 360 ​​grados de la Amazonía.

Tuvimos la oportunidad de hablar con Lanna sobre su expedición y lo que el uso de la luz ultravioleta le ayudó a descubrir. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met.

Leo Lanna (Foto: Lvcas Fiat)

¿Qué te animó a observar los animales nocturnos de la Amazonía?

Durante seis años, he estado trabajando con mantis religiosas a través de mi organización independiente, Projeto Mantis. La mejor manera de encontrar estos hermosos y camuflados insectos es salir de noche con una linterna, escanear los ecosistemas y buscarlos. Hemos realizado expediciones en múltiples ecosistemas de la Amazonía y la Mata Atlántica, siempre rodeados de la abundante vida silvestre nocturna. Como biólogo, mi investigación se centra en las mantis y las nuevas especies, cómo cuidamos a cada uno que recolectamos hasta la muerte natural y cómo documentamos su comportamiento y ciclo de vida. También soy poeta y fotógrafo, por lo que me interesan las criaturas asombrosas, coloridas, excéntricas y misteriosas que encontramos en el universo de las mantis.

El año pasado, tuvimos la oportunidad de reunir a un equipo de brillantes científicos y narradores deseosos de encontrar nuevas formas de explorar la noche a través de la expedición “Amazon from Dusk to Dawn”, financiada por la National Geographic Society. Los biólogos de nuestro grupo trabajaron con animales nocturnos (ranas y reptiles, insectos, mamíferos) y usaron tecnología de manera creativa para revelar nuevos aspectos de estos animales. Nuestro equipo de narración también quería capturar esta realidad efímera porque la vida del bosque cambia cada noche y este entorno desafiante rara vez es representada en las historias sobre la Amazonía.

Foto: Leo Lanna / Projeto Mantis

¿Cuál ha sido tu enfoque en esta investigación dado el gran volumen de especímenes?

La biodiversidad de la Amazonía es milenaria e interminable. La mayor parte de su vida permanece desconocida, especialmente cuando se trata de grupos menos estudiados como insectos, arácnidos, reptiles y fauna nocturna en general. Seleccionamos especies objetivo para cada una de las tres técnicas que queríamos probar y mejorar: la fotografía de fluorescencia visible inducida por ultravioleta, time-lapses de comportamiento y los vuelos nocturnos de drones.

Por ejemplo, las mantis religiosas, mi especialidad, eran el grupo objetivo de todas las técnicas. Todas las especies fueron prioritarias para ser documentadas mediante fotografía UV, pero solo la mantis hoja seca (Plesiacanthops sp.) y la mantis dragón (Stenophylla sp.) fueron candidatas para los time-lapses. Desafortunadamente, no encontramos a la dragón, pero obtuvimos algunas buenas imágenes sobre cómo se comporta la mantis hoja seca durante la noche.

Este enfoque selectivo fue crucial para hacer posible lidiar con la gran cantidad de criaturas que encontraríamos allí todos los días. Teníamos que entender qué especies eran prioritarias, quién sería el responsable de trabajar con cada grupo y técnica, y cómo lidiar con las novedades para poder distribuir mejor nuestro tiempo durante la expedición.

Zarigüeya (Foto: Leo Lanna / National Geographic)

¿Cuál ha sido el descubrimiento más sorprendente hasta ahora?

Estamos preparando un trabajo sobre los resultados de la fotografía de fluorescencia visible inducida por ultravioleta, que es una técnica en la que utilizamos fuentes de luz ultravioleta pura (invisibles al ojo humano) y capturamos, a través de imágenes, los “colores reflejados” (la fluorescencia visible). ¡Solo puedo decir por ahora que toda la jungla reverberó en colores que nunca habíamos imaginado y los resultados son bastante emocionantes! Este tipo de fluorescencia ha sido documentada en varios animales, pero hasta donde sabemos es la primera vez que se usa en tal volumen de especies y en su hábitat natural en la Amazonía. Nos acercamos a más de 300 especies documentadas con este método. Estamos ansiosos por sacarlo a la luz, ya que la gente podrá ver la selva amazónica desde una perspectiva completamente novedosa.

Rana de árbol (Foto: Leo Lanna / National Geographic)

¿Cuál ha sido el mayor desafío del proyecto?

Explorar enfoques creativos y modernos para la investigación y la narración siempre es un desafío, especialmente en la Amazonía. La selva es asombrosa e intensa. Ningún equipo está hecho para el calor y la humedad, por lo que en ocasiones tuvimos problemas de sobrecalentamiento u hongos en los lentes de las cámaras.

Encontrar el equilibrio del equipo, entender en qué teníamos que centrarnos y adaptarlo a la realidad de los días que pasaban fue un gran reto, ya que teníamos solo un mes para sumergirnos de verdad en los secretos nocturnos de esa zona. A mitad de camino, tuvimos que renunciar a los vuelos nocturnos de drones, que no daban ningún resultado. El trabajo de campo multidisciplinario es realmente desafiante y siempre gratificante.

Hongos (Foto: Leo Lanna / National Geographic)

¿Qué esperas que este trabajo revele sobre el ecosistema de la Amazonía?

Nuestro objetivo principal era utilizar tecnologías de forma creativa para revelar nuevas formas de explorar la noche en la Amazonía. Lo que descubrimos es que hay mucho, mucho más por descubrir y explorar. No solo se pueden encontrar nuevas especies y ecosistemas, sino que existen múltiples formas de abordar la biodiversidad para comprender mejor cómo viven en la naturaleza. La forma en que se comportan, se aparean, encuentran comida, cómo reaccionan a las transiciones del día a la noche y cómo se comunican a través de colores, sonidos y señales que muchas veces son imperceptibles para nosotros. Este trabajo fue fundamental para comprender que, para tratar de comprender la Amazonía, tenemos que salir de nuestro propio enfoque humano y tratar de ser más como la selva, conectados con sus diferentes cambios de tiempo y espacio.

Foto: Leo Lanna / Projeto Mantis

La gente ha leído que el ecosistema de la Amazonía está emitiendo más carbono del que puede absorber, pero puede ser difícil tener una idea tangible de lo que eso significa. ¿Tienes algún ejemplo de cómo han cambiado las cosas en los últimos años?

Todavía no he visitado la misma zona en la Amazonía. La mayoría de las veces nuestras expediciones buscan nuevas áreas para explorar y descubrir. Sin embargo, las cifras sobre la deforestación son claras: cada 10 minutos, más de 20 campos de fútbol de la selva amazónica son talados en Brasil. Esto es extremadamente preocupante y triste. En esta última expedición, exploramos un área más pequeña que esa, y en solo 30 días pudimos encontrar nuevas especies, documentar cientos de animales, descubrir secretos de comunicación de color y experimentar la grandeza de ríos y árboles gigantes.

Nuestra área fue preservada bajo una Reserva Nacional, sin embargo, cuando llego a pensar que cada 10 minutos se borra un área como esa, es como si estuviéramos borrando por completo una parte de la historia de nuestro planeta sin siquiera explorarlo.

Vengo de la Mata Atlántica, a la que le queda sólo el 10% de su vegetación nativa. Crecí pensando que las colinas de hierba verde y los pastos interminables con algunos fragmentos de bosques eran naturales. Cuando supe que cada centímetro de todos los lugares y ciudades en los que he estado en mi infancia solían ser selvas tropicales exuberantes, realmente entendí el poder de la destrucción humana. A menudo lloro cuando pienso en ello. La Amazonía todavía tiene una oportunidad si detenemos la deforestación ahora. De lo contrario, definitivamente sobrevivirá en parches, pero su magnitud, sus grandes animales, bandadas de pájaros y miríadas de insectos, y este sentido común que tenemos de un bosque vibrante y rico, desaparecerá para siempre.

Foto: Leo Lanna / Projeto Mantis

¿De qué maneras esperas que la investigación ayude tanto a la comunidad científica como al público?

Esta investigación fue parte de una sola expedición en octubre de 2021 en la Floresta Nacional de Caxiuanã, en el estado de Paraná. Los resultados irán saliendo continuamente en los próximos años, tanto de las publicaciones científicas como de las campañas de divulgación. Esperamos que este trabajo abra nuevas áreas de exploración y anime a otros equipos de la comunidad científica a realizar trabajos de campo que combinen la ciencia y las artes, la tecnología y la experiencia humana.

Esperamos especialmente que la gente siga explorando nuevas posibilidades para entender la vida en la Amazonía, que es tan diversa y esconde muchos secretos. Creemos que la Amazonía es una fuente crucial para la supervivencia de la humanidad en el futuro, ya sea por sus posibilidades de descubrimiento en medicina, biotecnología, inspiración y por su papel crítico en la estabilidad de nuestro planeta.

Además, estamos preparando una cápsula del tiempo amazónica, una experiencia virtual e inmersiva que reunirá todo el contenido en escenarios de 360º, disponibles para que las personas los exploren. Esto permitirá que el público en general sienta lo más posible cómo es explorar la Amazonía de noche, qué secretos hay allí, observar los animales y el complejo entorno, escuchar cómo se sintió nuestra gente y conocer la selva a través de entrevistas, y más.

Creemos que la mayoría de las personas pueden conectarse y comprender la selva tropical cuando tienen un sentido real de su grandeza. Y por ello, están dispuestos a preservar y actuar para su conservación. Pero la mayoría de las personas no pueden visitar físicamente el Amazonas, por lo que esta experiencia traerá la selva tropical a sus hogares.

Foto: Leo Lanna / Projeto Mantis

Para quienes estén interesados, ¿cómo pueden seguir tu progreso?

Pueden seguir las redes sociales de mi organización, @projetomantis en Instagram y Twitter, visitar nuestro sitio: www.projetomantis.com, y seguir las cuentas de los miembros de nuestro equipo—@eco360.imagery y @pedro_peloso. El progreso de nuestro trabajo estará siempre actualizado, junto con otras expediciones y trabajos de campo que todos estamos haciendo, que son igual de increíbles.

Projeto Mantis: Sitio web | Instagram | Twitter | Facebook

My Modern Met obtuvo permiso de Projeto Mantis para reproducir estas imágenes.

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La última vez que publicamos imágenes de la fotógrafa Nicole Chan, corría el mes de febrero de 2020 y el mundo estaba a punto de cambiar. Chan, quien ha vivido en Shanghái por muchos años, fotografió la ajetreada ciudad cuando entró en cuarentena debido al COVID-19. En ese momento, estas medidas aún se veían como algo distante para el resto del mundo; la moneda parecía aún estar en el aire. Ahora, más de dos años después, Chan comparte su nueva realidad: Shanghái está por salir de un estricto confinamiento que inicialmente estaba destinado a durar cinco días, pero se prolongó por meses.

Según la política de “covid cero” de China, cualquier prueba positiva de coronavirus conduce a un aislamiento inmediato no solo para la persona que dio positivo, sino también para todos sus contactos cercanos. El uso del rastreo de contactos y la cuarentena rápida por parte del gobierno fue anunciada al comienzo de la pandemia; pero, dos años después, las fallas empiezan a hacerse visibles. Han surgido preocupaciones económicas y los ciudadanos han comenzado a mostrar su descontento hacia esta política totalitaria.

Con una visión clara de la situación, Chan usa su cámara para demostrar cómo Shanghái, una próspera metrópolis de 26 millones de habitantes, sobrelleva esta crisis. Del 1 de abril al 1 de junio, los ciudadanos tenían órdenes estrictas de no salir de sus casas. Y si bien estallaron las celebraciones a medida que se acercaba el 1 de junio, apenas 24 horas después varios barrios estaban nuevamente en cuarentena. Las restricciones han disminuido ligeramente desde entonces, pero muchas personas siguen confinadas. Esto está generando tensión y protestas, algo poco común en la ciudad.

Gracias al trabajo de Chan durante toda la cuarentena, tenemos un diario visual que inmortaliza la vida durante el confinamiento en Shanghái. Tuvimos la oportunidad de hablar con Chan justo después de que se levantaron las restricciones para conocer su perspectiva sobre lo que ocurre en su ciudad y entender cómo la gente sobrelleva la política de “covid cero”. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met.

Presentamos tu trabajo por primera vez en febrero de 2020, cuando el coronavirus parecía algo lejano para el resto del mundo. Obviamente, ahora ha transformado la vida de todos. ¿Cuál es el mayor cambio que has visto en Shanghái desde que tomaste esas primeras fotos?

En los primeros días de la pandemia en Shanghái, se instaba a la gente a quedarse en casa, pero no había restricciones de movimiento. Para el verano de 2020, la vida había vuelto a la “normalidad”. La gente había regresado a las oficinas, la vida nocturna se había reanudado y había un aura petulante de victoria.

A pesar de nuestro regreso a la “normalidad”, incluso un solo caso positivo provocaba que cientos de contactos cercanos fueran enviados a cuarentenas en hoteles. Este nivel de escrutinio es lo que le valió a Shanghái su reputación como el símbolo de la gestión eficaz del covid. Entre el rastreo de contactos, la tasa de vacunación y la importancia económica de la ciudad, creíamos ingenuamente que Shanghái debía ser inmune al confinamiento.

Ahora sabemos cuál es la realidad.

Shanghái es la ciudad más rica, internacional y cosmopolita de China. También es la última víctima del “covid cero”. Dos años y medio después de que surgiera el covid, se ha disipado cualquier esperanza de que las restricciones se relajen y las fronteras se reabran. La fantasía de que vencimos al covid ha sido aplastada violentamente. El cierre de Shanghái demuestra la voluntad de China de alcanzar el “covid cero” sin importar el costo. Y aparentemente, sin importar el beneficio.

Como fotógrafa, mi trabajo en 2020 fue sobre el miedo. Esta serie trata sobre el confinamiento. Anteriormente, teníamos miedo del virus. Ahora, tenemos miedo de la respuesta del gobierno al virus. Es uno de los pocos casos en los que lo conocido es peor que lo desconocido.

Para aquellos que quizás no lo sepan, ¿puedes explicar el contexto en torno al nuevo confinamiento?

Shanghái entró en confinamiento el 1 de abril después de que se diera a conocer el mayor número diario de infecciones por covid desde los primeros días de la pandemia. Lo que originalmente se anunció como un confinamiento de “cinco días” con fines de prueba se convirtió en un confinamiento de 61 días con estrictas regulaciones y cero transparencia.

El confinamiento en China se entiende mejor como una combinación entre el arresto domiciliario y la ley marcial. No puedes salir de tu casa excepto para las pruebas PCR obligatorias. Todas las tiendas están cerradas, el transporte público está suspendido y los voluntarios locales se transforman en guardias de prisión. Si das positivo, serás trasladado a la fuerza a un centro de cuarentena. Si no das positivo en la prueba de covid, es posible que te trasladen a la fuerza a un centro de cuarentena por ser un contacto cercano.

En los últimos dos meses, a las personas se les ha negado atención médica crítica, no han podido comprar alimentos, han sido separadas de sus hijos y enjauladas en sus hogares. Aunque se levantó el confinamiento en toda la ciudad, hoy muchas personas siguen encerradas. El sentimiento de celebración se ha convertido rápidamente en una ansiedad sofocante de que podemos volver al encierro en cualquier momento.

¿En qué se diferenció este último confinamiento de lo que sucedió al principio de la pandemia?

Inicialmente, no había restricciones a la movilidad. La gente adoptó un enfoque muy cauteloso y serio para el autoaislamiento teniendo en cuenta el brote de SARS de 2002. Ahora, China tiene un libro de reglas estricto sobre cómo lidiar con los brotes que se basa en cuarentenas totalitarias con pruebas masivas agresivas. El cumplimiento ya no es una petición, sino una demanda.

Anteriormente, las imágenes de calles vacías capturaban la sensación del covid cuando las personas se enfrentaban a lo peligroso y desconocido. Ahora, las imágenes de personas en cautiverio capturan la sensación de encierro cuando nos enfrentamos a lo peligroso y conocido. El “covid cero” ya no es una medida de salud pública sino una batalla ideológica, y nosotros somos meros daños colaterales.

La política de “covid cero” es muy restrictiva. ¿Cómo sentiste que la gente sobrellevó mentalmente el encierro?

Es imposible exagerar el efecto devastador que tiene el confinamiento sobre la salud mental. Incluso si eres una persona alegre y emocionalmente estable, los sentimientos de aislamiento y encierro te abrumarán. Tienes una agencia mínima sobre tu vida sin un final a la vista. Cada día es parte del mismo día horrible. Te marinas en el estrés. Las salidas regulares para regular el estado de ánimo, tal vez caminar, hacer ejercicio o sentarse en un café, ahora son inaccesibles. Los recursos de salud mental tienen poco personal y están sobrecargados. La soledad engendra soledad.

Nuestra necesidad de conexión, contacto y amor nos hace humanos. Sin ella, rápidamente nos convertimos en nada.

En tus imágenes, podemos ver algunas reuniones pequeñas. ¿Sentiste que la gente estaba más dispuesta a romper las reglas esta vez?

En el confinamiento, no hay flexibilidad para “romper las reglas”. Puedes ser arrestado por no cooperar, lo que significa que te arrestarán por negarte a usar un cubrebocas, rechazar una prueba de PCR o negarte a ir al centro de cuarentena. Te arrestarán si te atrapan saliendo o entrando a un área residencial cerrada.

Hubo pequeñas reuniones de personas en la semana previa a la reapertura, ya que a más y más personas se les permitió salir de sus hogares por un tiempo limitado. Todos los lugares estaban cerrados, por lo que la gente celebró breves reuniones con picnics improvisados ​​​​en la acera. Después de que circularon fotos y videos de estas reuniones, la policía instaló rápidamente barreras a lo largo de los parques y las aceras, las cuales permanecen en la actualidad.

El confinamiento terminó el 1 de junio, pero varios vecindarios ya se cerraron solo un día después. ¿Cuál es su sensación de cómo se siente la gente sobre el manejo de los encierros? ¿Los hace sentir más seguros?

El encierro no hace que las personas se sientan más seguras. Los formuladores de políticas son increíblemente opacos y la ejecución varía enormemente. El confinamiento ha dado a luz a cientos de minitiranos que caprichosamente causan estragos en la vida de los residentes. Este encierro ha provocado casos raros de protesta pública en un país profundamente apolítico donde la disidencia tiene repercusiones rápidas.

Menos de una semana después de la “reapertura”, grandes secciones de la ciudad han vuelto a cerrarse y franjas aún más grandes están sujetas a pruebas obligatorias. La ciudad continúa jugando al topo mientras los residentes se ven obligados a soportar humillación tras humillación. La gente está cansada. La gente está harta. La gente quiere una dignidad básica.

Nicole Chan: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Nicole Chan para reproducir estas imágenes.

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El fotógrafo Thurstan Redding se dedicaba principalmente a sesiones de moda cuando tuvo dos encuentros memorables con cosplayers por accidente. Así, la gente disfrazada de personajes de la cultura pop empezó a estar en su radar. Anteriormente, había escuchado algo sobre el tema, pero “nunca había interactuado completamente con él”. Todo cambió cuando concibió Kids of Cosplay, un proyecto de tres años y un libro que Volume publicará este año.

Kids of Cosplay tiene una visión del cosplay diferente a la que estamos acostumbrados. Por lo general, los disfraces se reservan para las convenciones de cómics, el lugar en muchos cosplayers exhiben su talento. Redding decidió cambiar el contexto de dónde vemos a estas personas. Aquí, los disfraces no están en los centros de convenciones, sino en el mundo cotidiano. Harley Quinn (del universo de Batman) mira por la ventana de una cocina mientras un grupo de C-3PO (de la franquicia de Star Wars) posan al borde de la carretera junto a un campo vacío.

La decisión de fotografiar a los cosplayers en lugares ordinarios agrega una capa de inquietud a las imágenes, ya que no solemos ver a personas disfrazadas en la vida cotidiana. Esto también es otra forma de rendir homenaje a los increíbles disfraces. Redding seleccionó a los cosplayers por sus increíbles atuendos y quería que el esfuerzo que ponían en sus disfraces coincidiera con los escenarios en los que los puso. Así, sus imágenes cuentan una historia mientras ponen el cosplay bajo los reflectores.

Kids of Cosplay ya está disponible en preventa en el sitio web de Volume. Tuvimos el placer de hablar con Redding sobre su proyecto, incluyendo lo que cree que podemos aprender de los cosplayers. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met.

En su serie Kids of Cosplay, el fotógrafo Thurstan Redding toma retratos de cosplayers en escenarios cotidianos.

¿Cómo nació tu interés en el cosplay?

Mi interés en el cosplay empezó después de encontrarme con un cosplayer en Los Ángeles mientras estaba en una misión allí, y luego nuevamente en el [tren] DLR en Londres; hasta ese momento había escuchado del cosplay pero nunca había interactuado completamente con él.

¿Cómo surgió Kids of Cosplay?

Siempre supe que quería trabajar en un libro, desde que me inicié en la fotografía. También sabía que no estaba particularmente interesado en trabajar en una retrospectiva de mi trabajo anterior, ya que realmente quería aprovechar la oportunidad de trabajar en un libro para hacer algo muy enfocado y específico para una comunidad. Encontré muy atractiva la idea de hacer algo casi como un estudio sociológico.

Cuando empecé a ponerle más atención al cosplay, realmente se convirtió en una obsesión, hasta el punto en que me sentí muy cómodo dedicándole una gran cantidad de tiempo y esfuerzo, lo cual es muy importante al comenzar con un libro, ya que el compromiso es enorme.

¿Qué tipo de investigación y preparación hiciste para el libro?

Una vez que decidí tema, comencé un proceso de investigación visual sobre la apariencia que quería para el proyecto, así como mucha investigación histórica y sociológica sobre el significado y los orígenes del cosplay. También hubo un largo proceso de casting, y tuve que fotografiar a todos los cosplayers en lugares específicos, razón por la cual terminó tomando tres años.

¿Qué te interesa, en general, del cosplay?

Creo que el esfuerzo que los cosplayers ponen en sus disfraces fue inicialmente lo que encontré tan interesante: viniendo de un entorno de moda, fue increíble ver que tanta dedicación a los detalles en la ropa existía fuera de la industria de la moda. El enfoque que los cosplayers tenían de sus disfraces también fue interesante: a diferencia de algo que es desechable, los disfraces se actualizan y modifican constantemente con el tiempo, y se mejoran continuamente. También me encantó ver cómo los personajes que son tan famosos y familiares para tantos eran interpretados de formas completamente nuevas.

La elección del escenario (colocar a los cosplayers en lugares cotidianos) es diferente a las innumerables imágenes que se toman en las convenciones. ¿Qué inspiró esta elección?

Esto se debió principalmente al hecho de que estaba realmente interesado en ver a los cosplayers en el mundo real: esa yuxtaposición me parecía muy llamativa, pero se perdía por completo al fotografiar a los cosplayers en las convenciones. También sentí que los cosplayers estaban poniendo mucho esfuerzo en sus disfraces y, por lo tanto, era necesario poner la misma cantidad de esfuerzo en la elección de los lugares. Inicialmente quería fotografiar todo el proyecto en una convención, pero luego me di cuenta de que realmente no parecía que estuviera haciendo justicia a los cosplayers. Los suburbios también son algo a lo que me siento profundamente apegado, ya que es el lugar en el que crecí, por lo que incluirlo en el libro parecía tener sentido.

¿Qué esperas que los lectores se lleven de Kids of Cosplay? ¿Hay algún mensaje en particular que esperas que inspire el libro?

Es interesante porque la respuesta principal ha sido realmente una sensación de melancolía. Creo que el cosplay realmente nos enfrenta a todos con el hecho de que el hecho de disfrazarnos o vestirnos simplemente por diversión desaparece a medida que envejecemos. Por supuesto, todavía nos arreglamos para ocasiones especiales, pero la sensación de escapismo que proporciona no es la misma; creo que eso es lo que es tan conmovedor del cosplay. Realmente es una forma pura de escapismo.

¿Qué pueden aprender quienes no se disfrazan de los cosplayers?

Que nunca somos demasiado viejos para seguir divirtiéndonos.

Y finalmente, ¿en qué estás trabajando ahora? ¿Algo emocionante que nos puedas contar?

Hay muchos proyectos nuevos este año, ya que he podido concentrarme en mi otro trabajo nuevamente desde que finalicé el libro; sin embargo, ¡probablemente estoy más entusiasmado con mi segundo libro! Realmente no tengo la intención de comenzar con él por un tiempo, pero he comenzado el proceso de investigación para ello.

Kids of Cosplay será publicado este año por Volume.

Thurstan Redding: Sitio web | Instagram 

My Modern Met obtuvo permiso de Thurstan Redding para reproducir estas imágenes.

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Como muchos de nosotros, la vida del cineasta y fotógrafo Rory Langdon-Down se vio alterada por la pandemia. La mayoría de sus sesiones de fotos tuvieron que cancelarse, así que sin quererlo se encontró con mucho tiempo libre. Afortunadamente, esta dificultad dio paso a un nuevo proyecto creativo. Portrait a Day nació como una forma de lidiar con esta nueva falta de actividad y, en el proceso, Langdon-Down descubrió nuevas formas de expandir sus habilidades creativas.

Durante todo 2021, Langdon-Down fotografió a un desconocido al día. Esto implicó salir y conversar con personas que nunca había visto durante 365, todo con el fin de tomarles una foto. Todos los retratos fueron publicados en Instagram, acompañado de un breve párrafo que detalla lo que Langdon-Down aprendió sobre su sujeto durante su encuentro.

El resultado no solo ofrece una mirada a un año extraño en la historia, sino también al intento de un creador de prosperar en circunstancias difíciles. Un vistazo cronológico a las fotografías nos permite ver cómo la confianza de Langdon-Down como fotógrafo de retratos crece en el transcurso de un año, todo porque se desafió a sí mismo. Pero Portrait a Day es más que un proyecto de Instagram. Langdon-Down también ha publicado un hermoso libro de mesa de café con todos los retratos.

Con una edición limitada de 365 copias (por supuesto), Portrait a Day no solo contiene todos los retratos, sino más de 40,000 palabras que detallan las historias de las personas que aparecen. Este trabajo hecho por amor al arte también ha sido bien recibido por la comunidad fotográfica, y uno de los retratos ha ganado el premio Retrato de la Humanidad 2022 del British Journal of Photography.

Tuvimos la oportunidad de hablar con Langdon-Down sobre los inicios del proyecto, los retos a los que se enfrentó y lo que espera que la gente se lleve de la obra. Lee la entrevista exclusiva de My Modern Met a continuación.

¿Sientes que el COVID fue de alguna forma una bendición por haberte empujado a encontrar nuevas salidas creativas?

En retrospectiva, diría que sí. En aquel momento, perder trabajo debido a que las sesiones fotográficas no podían llevarse a cabo durante los confinamientos fue bastante duro y la repentina pérdida de un propósito fue todo un desafío. Sin embargo, nunca dejé de crear durante la pandemia, y creo que mis proyectos personales me ayudaron mucho a perfeccionar mi estilo y en mi forma de hacer fotos. Portrait A Day no existiría sin la pandemia, y el efecto positivo de ese proyecto y del éxito del libro en mí ha sido increíble, así que ahora lo contaría definitivamente como una bendición.

¿Por qué decidiste fotografiar a desconocidos?

Me atrajo mucho el reto: una foto de una persona al día durante un año. Ese objetivo tan claro me pareció alcanzable cuando empecé a planear el proyecto, probablemente porque apenas había fotografiado a desconocidos antes, así que no tenía idea de los retos que me esperaban.

Siempre me ha interesado la gente y soy un firme creyente de que todo el mundo tiene una historia interesante, y esto me pareció una muy buena manera de demostrarlo mientras contaba la historia del año a través de estos pequeños pedazos de la vida de la gente que nos rodea cada día. Personalmente, sabía que esto ayudaría a mis habilidades interpersonales y elevaría mis propias capacidades como director y documentalista, que es lo que hago cuando no estoy apuntando mi cámara a la cara de un desconocido.

En otra entrevista mencionaste que no habías imaginado lo difícil que sería. ¿Qué fue lo más complicado del proyecto?

Lo más difícil fue iniciar una conversación con desconocidos. Algunos días resultaba fácil: me sentía seguro de mí mismo, lo que siempre ayudaba con la reacción de la gente, e inmediatamente encontraba a alguien que aceptaba ser fotografiado. Otros días, caminaba durante horas sin poder armarme de valor para pedirle a una sola persona que posara para mí. Todo dependía de mí y de cómo me sintiera. Tenía una conversación constante en mi cabeza en la que me preguntaba por qué creía que alguien no iba a aceptar que le tomara una foto, hasta que respiraba profundamente y establecía la conexión que me llevaba al retrato de ese día.

Fue una actividad bastante insular y aprendí mucho sobre mí mismo mientras me preguntaba por qué había decidido pasar mi año tratando de hablar con extraños. Pero después de cada encuentro me iba con una sensación muy positiva y, por lo general, habiendo aprendido algo nuevo.

¿Cuándo te diste cuenta de que sería un reto tan grande y qué te hizo seguir con el proyecto?

En el primer día. El proyecto estuvo a punto de fracasar antes de ponerse en marcha porque me había hecho a la idea de que sería fácil tomar una sola foto al día, pero la realidad me obligó a hacer algo que nunca había hecho: acercarme a la gente en la calle. Por suerte, sí retraté a alguien el primer día, y en cuanto lo compartí en la cuenta de Instagram, supe que ya me había comprometido con el proyecto. Soy una persona dedicada y centrada, y por muy difícil que fuera, sabía que llegaría al final del año.

¿Crees que algún aspecto del proyecto se hizo más fácil o más difícil a medida que avanzaba?

Mis habilidades de conversación con extraños mejoraron muchísimo. Siempre se me ha dado bien mantener una conversación y hacer preguntas, pero definitivamente he mejorado mi capacidad para hacer las preguntas correctas. Siempre intentaba encontrar un punto en común y, a menudo, lo hacía a través de la música, ya que es un tema bastante fácil para encontrar las pasiones e intereses de la gente. Una vez superado el contacto inicial de “Hola, me llamo Rory y tengo una pregunta un poco extraña para ti…”, me encantaba charlar con desconocidos. A veces nuestras conversaciones duraban hasta una hora. Creo que es importante darse cuenta de que, aunque creas que no tienes mucho en común con alguien, sobre todo en términos de diferencias políticas, deberías ser capaz de encontrar puntos en común o intereses compartidos, y tuve algunas charlas estupendas con gente con la que normalmente no me cruzaría.

¿Qué te enseñó este proyecto como creador? 

Me enseñó el poder de hacer algo por cuenta propia y de responsabilizarte de tu creatividad. No tenía un cliente o una agencia que me dijera cómo tenían que ser las cosas o cómo tenían que estar redactadas, así que todo el proyecto es completa y auténticamente mío. Me hizo amar el trabajo que hago, me ayudó a concretar mi estilo y me ha dado una enorme confianza en lo que ofrezco como fotógrafo y documentalista.

¿Cuál ha sido el retrato de un desconocido más memorable que has tomado?

El de Hassan. No es una fotografía especialmente buena, pero él encarnaba la belleza del proyecto y de lo que se trataba. Hassan estaba sentado en un banco de un parque cercano a mi casa y la mayoría de la gente no se le hubiera acercado, pero por alguna razón me intrigó. Lo retraté y pronto se desveló su increíble historia como exiliado libio que en su día fue etiquetado como “el némesis de Gadaffi” por su activismo en favor de los derechos humanos.

Esto siempre se me quedará grabado en la cabeza como lo que hizo que Portrait A Day fuera tan especial: encontrar la historia en lo aparentemente ordinario.

¿Hubo alguien a quien realmente hubieras querido fotografiar pero, por la razón que sea, no funcionó?

La verdad es que no. Creo que todos los retratos del libro están ahí por una razón. No seleccioné a personas concretas para retratarlas; sin embargo, intenté que Sir David Attenborough apareciera como el último retrato del libro, ya que consideré que su mensaje sobre lo que la humanidad puede y debe hacer mejor habría sido un final perfecto para el libro. Le escribí una carta y él me contestó; se negó muy amablemente participar, pero en realidad, creo que fue algo bueno porque el libro siguió siendo natural hasta el final y el retrato final de una pareja saliendo del hospital con su bebé recién nacido lo decía todo de todos modos.

¿Qué esperabas capturar en estos retratos? 

Honestidad, autenticidad y una sensación general de optimismo. No todos los retratos están vinculados a historias positivas o alegres, pero creo que el proyecto en su conjunto debe inspirar optimismo en la humanidad y la comunidad.

¿Qué esperas que la gente se lleve de tu trabajo?

Me gustaría que la gente viera la combinación de fotografías hermosas y el texto que las acompaña, lograda a través de conexiones genuinas con extraños. Quiero que la gente se sienta inspirada por las personas que aparecen en el libro y que tengan esperanza en la comunidad cuando hay tantas cosas que nos dividen.

Pero, sinceramente, si a la gente le gusta Portrait A Day porque tiene una bonita portada que queda bien en su mesa de café o a su hijo pequeño le gusta mirar a toda la gente que hay dentro, eso también me hace muy feliz.

Rory Langdon-Down: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Rory Langdon-Down para reproducir estas imágenes.

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El fotógrafo callejero argelino Imed Kolli usa su cámara para establecer una conexión con los demás. Durante los últimos siete años, ha utilizado su creatividad para estudiar la condición humana, a menudo centrándose en las personas que viven al margen de la sociedad. El resultado son retratos inquietantes que capturan el espíritu de estas personas comunes y corrientes con las que se encuentra Kolli.

Jugando la luz, Kolli crea imágenes dramáticas en un estilo reconocible al instante. A veces, usa luces y sombras para enfatizar las facciones de su modelo. En otros momentos, utiliza estos elementos para envolverlos de oscuridad y aumentar el impacto emocional. Todo ello en un esfuerzo por recrear visualmente las emociones vividas durante la sesión de fotos.

Tuvimos la oportunidad de hablar con Kolli sobre su proceso creativo, incluyendo cómo logra que sus sujetos se sientan cómodos y su motivación para tomar estos retratos. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met.

¿Cuándo inició tu interés en la fotografía?

Cuando tenía 16 años, mi verdadera educación provino de observar lo que sucedía a mi alrededor y observar que la riqueza no viene sin luchar. Estaba buscando una manera de traducir lo que estaba viendo con mis ojos y la fotografía se convirtió en mi voz en este mundo tan grande y confuso. Empecé a darme cuenta de que la fotografía tiene el poder de cambiar tu perspectiva de la vida y sorprender a las personas con algo que normalmente no ven y que a veces no tienen idea de que existe. Comenzó a impulsar mi vida en una dirección dramática hacia contar la historia más amplia de lo que significa ser humano, así que compré mi primera cámara y ese fue el comienzo.

¿Por qué eliges fotografiar en blanco y negro en lugar de a color?

A menudo se trata de situaciones o perspectivas dramáticas. El drama se crea en imágenes de muchas maneras. Descubrirás que uso blanco y negro, luces y sombras cuando necesito una forma física de imponer emociones, fe, empatía, espiritualidad e incluso esperanza.

Esto significa no solo prestar atención a los colores, las formas, las luces, las sombras, etc., sino también observar a mis sujetos y cómo aparecen y actúan. Conocer el entorno me ayudó a prepararme para ese momento. Me dediqué a fotografiar íntegramente en blanco y negro. Decidí experimentar con el monocromo porque la fotografía en blanco y negro siempre ha resonado conmigo, personalmente, de una manera más profunda y emocional que el color. Procesé, predominantemente a través de dodge and burn, para desarrollar el estado de ánimo de mis sujetos. Es la pose y el aspecto lo que más me atrajo para tomar la fotografía en primer lugar y este es siempre el punto de partida para el elemento emocional de la imagen, creo.

¿Qué inspiró tu serie Humanity in Black and White?

Deambulo por las calles en busca de extraños y cuando veo lo que siento que he encontrado en una persona, quiero hacer una conexión con ellos. La soledad, al desnudo, es un estímulo muy poderoso. Sin embargo, nunca se ha tratado de tomar una fotografía. Las relaciones que establezco son autorealizadoras en muchos aspectos. Mi dolor pierde sensibilidad de alguna manera al comprender el de ellos. El reconocimiento en los ojos de un extraño es instantáneo y realmente creo que me aceptan como soy porque ven la misma emoción en mí. Soy muy empático. Le digo a la gente que, de una manera extraña, me enamoro de todas las personas con las que hago una conexión. Me baso mucho en proyectos, así que tengo que ir a un área y sumergirme en la comunidad.

Es emocionalmente desafiante en ese momento; pero es en la postproducción, cuando vuelvo a estar solo, cuando siento que sensibilizan mi propio dolor. Las profundas conexiones personales que hago con las personas que conozco siempre me dejan una impresión duradera. Las imágenes que produzco son la pieza final del viaje. Canalizo todo en ellos. Mi fe, mi amor y mi humanidad.

Tus retratos son particularmente inspiradores. ¿Cómo encuentras a tus sujetos?

Los sujetos que conozco por casualidad durante mis viajes en mi vida son los modelos en mi fotografía. Eran fáciles de encontrar, pero difíciles de fotografiar. Viven en barrios más pobres en los que podría ser bastante peligroso y arriesgado involucrarse. Para mí, lo más importante es ser consciente del entorno que me rodea.

En un esfuerzo por hacer retratos íntimos, primero traté de conectarme con cada persona de forma individual y tener este tipo de apego humano antes de apretar el obturador. Mi falta de experiencia como fotógrafo a veces me benefició. Mis imágenes borrosas y a media luz fascinaban y asustaban a mi audiencia. Estas fotografías contrastaban fuertemente con imágenes de niños. Fue bastante difícil convencer a sus padres sin hogar de que su hijo es hermoso y definitivamente necesita una fotografía.

¿Cómo los ayudas a relajarse?

El énfasis singular de entablar una relación humana y hacer que mis sujetos se sientan más cómodos con cada enfoque que hago es espontáneo y lleno de amor y lejos de la explotación. Trato de presentarme correctamente primero y les hago algunas preguntas regulares como “¿cómo estuvo tu día?”

Siento que los conozco a través de su espontaneidad que aclaró su estado de ánimo. Lo que hago es fotografiar emociones, pero lo que más me interesa es desarrollar una relación personal. Estoy fotografiando el momento inicial cuando veo a esa persona y me lleva a través de la construcción de una relación con el individuo para volver a ese punto de partida.

¿Qué esperas que la gente se lleve de tus fotografías?

Hay un gran estigma hacia este tipo de personas que tienen circunstancias difíciles y hacia las luchas que mis sujetos han tenido que soportar durante su existencia. A pesar de que todos tienen este tipo de tristeza y esta vida extremadamente desafortunada, los encontré tan edificantes e inspiradores, no había autocompasión en absoluto, había este tipo de alegría y el placer de estar vivo a pesar del hecho de que ellos estaban en estas situaciones aparentemente terribles. Alguien que tiene ese tipo de resiliencia para poder tener una sonrisa en su rostro es lo que me atrajo de alguna manera emocional para documentar sus vidas.

Es una poderosa iconografía espiritual con la que pretendo darles un destello de luz en sus ojos, traer alegría a sus corazones rotos, darles esperanza, honrarlos por sobrevivir a las crueles luchas por las que han pasado, hacerlos creer que importan, que son un ser humano y que no se olvidan.

Mis imágenes están destinadas a resonar con el espectador a un nivel espiritual y humano y trato de incluir los atributos metafísicos que cuentan su propia historia. Intento provocar una respuesta imaginativa e inteligente del espectador con una referencia puramente visual.

Imed Kolli: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Imed Kolli para reproducir estas imágenes. La entrevista ha sido editada por cuestiones de extensión y claridad.

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“No sufran como yo, vacúnense inmediatamente; no solo te proteges a ti, también es proteger a personas como yo” – Joel Croxton. Croxton estaba completamente vacunado pero el virus le quitó la vida el 14 de septiembre como consecuencia de su sistema inmunológico debilitado. Aquí, reza con un capellán del hospital a través de un iPad que sostiene su enfermera, Jessie Ramirez (izquierda). Su esposa, Sandra Croxton, y su hijo, Mark Croxton toman sus manos. (Alan Hawes, RN/MUSC)

Alan Hawes trabaja como enfermero registrado en la Universidad Médica de Carolina del Sur (MUSC, por sus siglas en inglés) en Charleston, Estados Unidos, pero tiene una historia interesante. Hawes se dedicó al fotoperiodismo por más de 20 años; y ahora usa esas habilidades para mostrar lo que sucede en el hospital durante la pandemia de COVID-19. Con permiso y apoyo del hospital, así como de los pacientes y sus seres queridos, Hawes ha podido tomar una serie de fotografías emotivas.

Las imágenes muestran claramente la sensación que envuelve por el hospital. Desde enfermeras que deben hacer llamadas desgarradoras hasta pacientes que luchan por sobrevivir, las fotos de Hawes muestran la realidad tal y como es.

“Las autoridades del hospital han dado mucho apoyo para que Hawes comparta sus fotografías con el público”, Carter Coyle, gerente de Asuntos Públicos y Relaciones con los Medios le dice a My Modern Met. “Sus imágenes muestran la dura realidad del COVID-19, y es un privilegio para Hawes representar a MUSC ante audiencias locales y nacionales. Esperamos que sus historias fotográficas ofrezcan un vistazo a la angustia y el heroísmo en nuestra Unidad de Cuidados Intensivos (UCI) en este momento. Con las hospitalizaciones de la variante ómicron, Hawes continúa con su trabajo fotográfico con el consentimiento de sus pacientes y supervisores”.

My Modern Met tuvo el privilegio de hablar con Hawes durante un descanso en su apretada rutina. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met.

Alan Hawes, RN

¿Qué te llevó a pasar del fotoperiodismo a la enfermería?

Fui fotoperiodista por más de 20 años y el negocio de los periódicos tuvo muchas dificultades financieras en 2008. Hubo grandes despidos en otros periódicos, y me hizo pensar que si alguna vez querría tener una segunda carrera, ese era el momento. Me encanta el fotoperiodismo y siempre será parte de lo que soy, así que fue una decisión difícil. En muchas de mis asignaciones fotográficas, observaba a médicos, enfermeras, terapeutas respiratorios y doctores trabajando en equipo con personas necesitadas y noté que tenían la misma pasión por sus carreras que yo. Yo era un observador, y ellos hacían algo. Quería ser alguien que hiciera algo. Ambas carreras pueden marcar una diferencia positiva en el mundo y ese es el estándar que tengo para las profesiones que elijo. Tenía 39 años en ese momento y no creí que pudiera seguir teniendo una carrera segura en la fotografía por otros 25.

Tala'Shea Foster sostiene un iPad para ‘visitar' a su hijo recién nacido, Ta'myus Coffey, vía Facetime mientras se recuperaba del COVID en MUSC. Ta'myus nació por una cesárea de emergencia porque el COVID de Foster era muy grave. Ella pasó semanas al borde de la muerte con un ventilador en la UCI, y finalmente terminó con una traqueotomía temporal y un bebé sano que aún no había podido abrazar. Dijo que no sabía que la vacuna estaba disponible para mujeres embarazadas. (Alan Hawes, RN/MUSC)

¿Cómo te diste cuenta de que podías usar tus habilidades creativas durante la pandemia para ayudar a educar al público sobre este tema?

Lo supe incluso antes de que comenzara en Estados Unidos. Vi las noticias sobre el coronavirus cuando se estaba gestando en China y supe que estaría justo en medio de una de las noticias más importantes de mi vida. Trabajo en una UCI que se especializa en medicina pulmonar en el hospital más grande de Carolina del Sur. Recibimos a los más enfermos de los enfermos. Leí todos los estudios que pude de China hasta el punto en que la gente se burlaba de mí porque estaba obsesionado con el COVID. El periodista que hay en mí estaba muy emocionado, pero sabía que no podría fotografiar ni reportar nada de lo que iba a ver debido a las leyes de confidencialidad.

Después de terminar una llamada telefónica con la esposa de un paciente, diciéndole que necesita ir al hospital porque su esposo está a punto de morir, la enfermera Andrea Crain llora en la estación de enfermería mientras Kelly Burchette, técnica de atención al paciente, la consuela. “Todo el mundo está muriendo y eso me entristece mucho”, dijo. (Alan Hawes, RN/MUSC)

¿Cómo respondieron (y responden) los pacientes y el personal a tu trabajo?

Me sorprendió cuánto me apoyó y animó el personal con el proyecto una vez que obtuve la autorización oficial. Cuando era fotógrafo de un periódico que iba al hospital, siempre había alguien que decía: “¡No puedes tener esa cámara aquí!”. Pero ahora hay muchas personas que se detienen a agradecerme por ayudar a contar las historias que suceden en estos edificios. El personal parece entender realmente el poder que tienen estas fotos. Quiero combatir la desinformación con experiencias visuales compartidas. En cuanto a los pacientes y sus familias, he recibido comentarios muy positivos. La esposa del Sr. Croxton me dijo que estaría orgulloso de ser una figura tan importante en este proyecto, a pesar de que la foto de su esposo en sus últimos días es difícil de ver. El mensaje es que se mantuvo firme en la defensa de las vacunas para proteger al individuo y a aquellos con los que interactúan. Estaba completamente vacunado y tenía un refuerzo, pero aún así murió de COVID (obviamente lo contagió otra persona) debido a que su sistema inmunológico estaba debilitado.

Mary Moore sostiene la mano de su prometido, Steven Lavendar, quien no está vacunado, mientras su madre, Tabitha Jones, lo consuela durante su proceso de recuperación de COVID con la ayuda de una traqueotomía y un ventilador en la UCI. Lavendar pasó semanas aislado en la unidad especializada con un ventilador hasta que dejó de ser contagioso y fue extubado. Después, fue trasladado a otra unidad donde podía recibir visitas. Lavender no podía hablar debido a su traqueotomía, pero su prometida dijo que él pensaba que estaba “demasiado ocupado” para vacunarse. (Alan Hawes, RN/MUSC)

¿Hay alguna historia o experiencia en particular que te gustaría compartir para ayudar al público a entender por qué es tan importante compartir estos momentos difíciles?

Tuve una paciente de 30 años no vacunada que fue trasladada desde otro hospital y que había sobrevivido por dos meses en esa UCI sin ser intubada. Cuando llegó con nosotros, sus pulmones estaban tan dañados que no pudimos demorar más la intubación. La tuve durante varios días seguidos y le estaba yendo mal y parecía grave. Su familia no quería dejarla ir. Estaba al máximo con todos los medicamentos y con la configuración de ventilador más alta que podíamos administrar hasta que llegamos al punto en el que no podíamos hacer más. Le dije a su madre y a su padre que nos estábamos quedando sin opciones. Su madre se desvaneció, abrazó mi tobillo y me rogó que “por favor, hiciera algo”. Todo lo que podía hacer era sentarme en el suelo con ella, poner mi brazo alrededor de ella y dejarla llorar. Su hija murió más tarde esa noche.

Un paciente con COVID que trató de combatir el virus en casa mientras su esposa estaba en la UCI de MUSC con el virus, ingresa a la UCI después de ser intubado en la sala de emergencias. (Alan Hawes, RN/MUSC)

¿Qué tipo de comentarios has recibido sobre las imágenes?

Mejores de lo que imaginé. No soy un gran usuario de las redes sociales, por lo que fue muy surrealista ver cuántas personas vieron mi trabajo, especialmente lo mucho que se compartió en Facebook. Desconocidos se me acercan y me dicen que vieron las imágenes y que las compartieron. La comunidad hospitalaria en la que trabajo es grande, tiene tres hospitales importantes y todos a pocas cuadras de distancia entre sí. No he escuchado nada más que agradecimiento por mostrar al público todo el trabajo y las emociones que trae consigo el COVID. He leído algunos mensajes de trolls que también esperaba, pero me ha sorprendido mucho lo bien que la gente entiende, aprecia y apoya la intención del proyecto.

Lester Tumbleston yace en su cama de la UCI en una habitación sellada después de haber sido intubado por COVID-19. Cuando se le preguntó sobre la vacuna antes de ser intubado, dijo: “Sentía desconfianza. Ahora me importa una mierda, me la voy a poner”. Tumbleston pasó unas dos semanas con un ventilador. Fue dado de alta del hospital a principios de octubre. (Alan Hawes, RN/ MUSC)

¿Cuál es la parte más desafiante de documentar estos momentos en el hospital?

Encontrar a los pacientes que son positivos a COVID y que aún están lo suficientemente lúcidos como para poder entender y firmar consentimientos fotográficos. Prefiero que los propios sujetos firmen el consentimiento en lugar de un miembro de la familia que tiene el poder legal de firmar el consentimiento. Es un periodo valioso, hospitalizado pero no demasiado enfermo. Utilizo todos mis contactos en el hospital para ayudarme a identificar posibles participantes.

La Dra. Denise Sese (izquierda) analiza el plan de atención de un paciente con la enfermera Ericka Tollerson en la UCI de COVID. (Alan Hawes, RN/MUSC)

¿Qué esperas que el público vea en tu obra?

Los hospitales están saturados. Entiende que si eliges no vacunarte, tu decisión podría costarle la vida a otra persona. Si contagias a una persona que está vacunada pero tiene un sistema inmunitario debilitado, esa persona puede morir. Hemos visto morir a personas completamente vacunadas con inmunidad debilitada mucho antes de tiempo. Las vacunas mantienen a la mayoría de las personas fuera de la UCI. No puedo recordar a un solo paciente que haya estado completamente vacunado y con refuerzo sin otras condiciones preexistentes graves que requieran intubación en la UCI. Los pacientes con COVID ocupan camas de la UCI por semanas y meses. En todo el país, los pacientes que necesitan camas de cuidados intensivos por un ataque cardíaco, un accidente cerebrovascular o una lesión traumática pueden tener que esperar en una sala de emergencias ocupada durante mucho más tiempo del que deberían porque hay muy pocas camas de UCI disponibles o no hay ninguna.

Mary Moore sostiene la mano de Steven Lavender, su prometido no vacunado, mientras se recupera de COVID en la UCI. (Alan Hawes, RN/MUSC)

La UCI COVID está dividida en dos zonas, amarilla y roja. La roja está sellada con aire a presión negativa para evitar que las partículas de virus en el aire salgan de la habitación, pero requiere que el personal use EPP completo, incluidos respiradores N-95 y protección para los ojos durante la mayor parte de sus turnos de 12 horas. (Alan Hawes, RN/MUSC)

Alan Hawes: Twitter

My Modern Met obtuvo permiso de Alan Hawes/MUSC para reproducir estas imágenes.

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Cuando Stanley Aryanto dejó su trabajo para dedicarse a la fotografía, nunca imaginó las oportunidades que le aguardaban. Desde entonces, su prioridad es The Wicked Hunt, su negocio de fotografía. Aryanto se sacó la lotería en una de sus más recientes aventuras, ya que pudo capturar el cometa Neowise, la aurora boreal y la Vía Láctea en una foto panorámica épica.

El solo hecho de ver al cometa Neowise fue un golpe de suerte, ya que el cometa solo es visible cada 6,800 años, pero haber visto los tres es un verdadero premio. Como si eso no fuera suficiente, la madre naturaleza le dio otro obsequio cuando un tipo de aurora boreal conocido como STEVE, también apareció a la vista. STEVE, que significa “Strong Thermal Emission Velocity Enhancement” o “fuerte aumento de la velocidad de emisión térmica” es una ilusión atmosférica que hace que aparezca una cinta de luz verde y violeta en el cielo. Entonces, en otra toma, Aryanto nos deleita con este fenómeno.

Tuvimos el placer de hablar con Aryanto sobre este increíble momento y la meticulosa planificación que llevó a cabo para estar en el lugar correcto en el momento indicado. También nos adentramos en su decisión de dejar atrás su carrera como ingeniero mecánico y seguir su pasión por la fotografía. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met.

¿Qué tiene el cometa Neowise que te inspiró como fotógrafo?

Me inicié en la fotografía porque vi una captura de pantalla de un panorama de la Vía Láctea en Facebook hace unos cinco años. Sin mi amor por las estrellas y los cielos nocturnos, podría decir que no estaría aquí hoy.

Hay algo especial en sentarse bajo las estrellas: me hace sentir en paz. Me hace sentir que no estoy solo y que las posibilidades son infinitas.

Entonces, cuando me enteré de este evento astronómico único en la vida, hice todo lo que estaba en mi poder para experimentarlo. Después de todo, es por eso que comencé esta aventura de seguir mi pasión.

Sé que tu primer intento de fotografiar el cometa no tuvo éxito. ¿Qué te hizo querer seguir intentando?

Solo me quedaban 10 días antes de dejar las Montañas Rocosas canadienses para irme de viaje por carretera. El clima no había estado a mi favor, y es fácil culpar a estas circunstancias de mis fracasos al capturar al cometa. Pero, aunque no obtuve una buena toma del cometa Neowise, pude capturar un amanecer impresionante desde ese lugar al día siguiente.

Pero mi amor por la aventura, [eso que llamo] The Wicked Hunt (la cacería perversa), me empujó a arriesgarme. No me importaba si todo lo que conseguía eran fotos de días nublados. La oportunidad de volver a verlo valió la pena. Después de todo, las decisiones que no tomamos son las decisiones que lamentamos.

Entonces busqué diferentes ubicaciones. Verifiqué el clima cada 12 horas, con la esperanza de que cambiara. Sabía que el clima de montaña puede cambiar muy rápidamente.

Te sacaste la lotería con tu foto: Neowise, la Vía Láctea, la aurora boreal. ¿Cómo te sentiste en ese momento?

Fue una de las mejores noches de mi vida, y es una obra maestra de la que siempre estaré orgulloso y apreciaré. Pero sé que lo mejor está por llegar.

Se sintió increíble, como un sueño. Todavía no puedo creer cómo se desarrolló todo. Se me pone la piel de gallina solo de pensar en ello mientras respondo esta pregunta.

Recordé que cuando mi cámara de timelapse hacía clic, mostraba una vista previa de la última toma capturada. El viento era fuerte esa noche y tuve que anclar el trípode con grandes rocas. Mi amiga y yo fuimos al otro lado de la montaña para encontrar refugio del viento fuerte, y revisaba la cámara cada 15 minutos aproximadamente.

Lo recuerdo como si hubiera sido ayer. Mientras examinaba una vista previa, vi un tenue resplandor verde en el horizonte. En ese momento, pensé que había un problema con la cámara. Cuando disparó de nuevo, miré más de cerca la vista previa y no podía creer lo que veía.

Me pregunté, “¿podría ser?” Gritaba, saltaba, bailaba alegremente. ¡Fue como volver a tener cinco años! Rápidamente corrí hacia mi amiga y le dije que esta sería una noche épica.

A medida que el día se hizo más oscuro, el cometa Neowise se volvió cada vez más visible y mi suposición se confirmó. Lady Aurora había venido a pasar la noche con nosotros.

Era uno de los pronósticos de auroras más fuertes que había visto durante mi estadía de dos años en el Parque Nacional Banff, y como no tenía recepción celular, no supe nada al respecto hasta que regresé al día siguiente.

Llegamos alrededor de las 9 p.m. justo antes del atardecer y me quedé hasta el amanecer alrededor de las 3 a.m. No quería que esa noche terminara.

¿Puedes hablar sobre la investigación que llevaste a cabo para encontrar el lugar perfecto?

Encontrar lugares para ver Neowise llegó a ser complicado, especialmente alrededor de los Parques Nacionales de Banff. Las montañas son tan altas, mientras que el cometa aparecía muy abajo en el horizonte. Entonces, para poder ver el cometa, necesitaba subir.

Sabía que llevaría mucho equipo porque quería capturar tanto un timelapse de la noche como experimentar con diferentes tomas durante la noche. Fue una de las razones por las que pude capturar un timelapse de la noche, la toma panorámica y algunas otras composiciones.

Una cosa que enfatizo en mis talleres es la importancia de comprender la visión que deseas capturar, pero que se debe tener la mente abierta y adaptarse a las condiciones.

Así que me imaginé a mí mismo como si estuviera allí. Usé una aplicación como PhotoPills para entender la fase lunar y la ubicación de la Vía Láctea. A partir de ahí, comencé a buscar diferentes lugares donde pudiera hacer realidad mi visión.

Tenía que estar en una elevación y asegurarme de tener una vista clara del cometa Neowise. Quería capturar una toma que encapsulara las Montañas Rocosas canadienses, por lo que fue crucial para mí capturar a Neowise entre la cordillera. También supe por mi fase de planificación que no tendría luna durante la mayor parte de la noche. Eso significaba que obtendría buenos detalles sobre la Vía Láctea, pero que el pago sería perder detalles en primer plano.

Por eso, busqué un paisaje que incluyera agua, aunque no pude obtener ningún detalle sobre las texturas de la montaña. Todavía se podía ver una dinámica en la foto: el reflejo y la forma del lago.

Entonces supe la cantidad de equipo que quería traer, y por eso busqué senderos que no fueran demasiado extremos. El clima siempre es complicado, así que verifiqué mi aplicación meteorológica de confianza y busqué una ubicación con las mejores posibilidades de un cielo despejado.

Busqué cualquier ubicación a cinco horas o menos en auto desde donde vivo. A partir de ahí, comencé a buscar senderos que se ajustaran a estos criterios en la aplicación, como All Trails. Una vez que tuve una buena elección de pistas, usé Google Earth para ver una ilustración en 3D de mi punto de vista desde la cima.

¿Cómo seleccionaste el equipo que llevarías contigo para la sesión?

Hay dos tipos de equipo que debo considerar: equipo de senderismo y equipo de cámara. Estando en la montaña, sabía que la temperatura sería fría una vez que subiera. Así que necesitaba tener eso en cuenta.

Traje suficiente comida y bebida para pasar la noche. Las barras de proteína son excelentes para eso porque son livianas y compactas. Luego tomé un termo con agua para tomar una bebida tibia mientras esperaba. Me aseguré de tener suficientes capas como térmicas, una cazadora y una chaqueta de plumas. También traje una manta de emergencia por si acaso.

Traje dos de mis cuerpos de cámara Canon, cuatro lentes y dos trípodes para equipo de cámara. La idea era que uno permaneciera estático durante toda la noche, capturando un lapso de tiempo, y que el otro experimentara con la composición a medida que la noche avanzaba y cambiaba.

• Canon 5D Mark IV
• Canon 6D
• Canon 16-35mm f/2.8L III
• Canon 24-70mm f/2.8L II
• Canon 70-200mm f/2.8L III
• Rokinon 14mm SP f/2.4
• Sirui and Moman tripod

Sabía que quería capturar una versión diferente del cometa, así que traje una distancia focal extra. Los fotógrafos comprenderán que cuanto mayor es el zoom, más significativo parece el cometa.

Así que traje dos lentes gran angular, un zoom medio y un teleobjetivo para un primer plano.

Para aquellos que no lo saben, ¿qué es STEVE? 

No soy la mejor persona para explicar esto con gran detalle, pero STEVE significa Strong Thermal Emission Velocity Enhancement o Mejora de la velocidad de emisión térmica fuerte, un fenómeno óptico atmosférico que aparece en el cielo. Se registró ya en 1705, pero apenas se entendió.

STEVE es más común en la región sub-aurora cerca de las Montañas Rocosas canadienses. Recientemente, se han realizado muchas investigaciones sobre este fenómeno para comprender la ciencia detrás de él. Me enteré de esto por primera vez por Chris Ratzlaff, el fundador del grupo de Facebook Alberta Aurora Chasers.

Tu negocio de fotografía se llama “The Wicked Hunt”. ¿De dónde viene ese nombre?

Ha sido un largo viaje para llegar a donde estoy ahora y sé que todavía hay un largo camino por recorrer. Estoy emocionado con mi viaje, The Wicked Hunt, que aún está por llegar.

Desde que comencé, he ganado alrededor de 130 premios, he publicado en revistas como Canadian Geographic, he exhibido mis fotos en países como Australia, Estados Unidos y Japón. Y ahora, estoy ampliando mis talleres en línea para llegar y ayudar a más personas a mejorar y encontrar esperanza, propósito y felicidad en su amor por la fotografía.

Pero la vida no siempre fue así.

Cuando me inicié en la fotografía, era muy bueno imitando los trabajos de otras personas. Estaba investigando sobre ubicaciones y composiciones basadas en lo que otros habían compartido en Instagram. Por esa razón, no tenía ninguna obra de arte de la que pudiera estar orgulloso que fuera verdaderamente única para mí.

Este fue un gran recordatorio cuando hice mi primera presentación de fotografías, donde envié más de 20 fotos, pero solo dos fueron premiadas. Los dos que obtuvieron premios fueron las dos tomas únicas que vinieron de mí, incluso si fueron capturadas en un lugar popular. Estas tomas premiadas se han convertido en el trabajo del que más me enorgullecido hasta la fecha.

The Wicked Hunt se ha convertido en un recordatorio constante de que no se trata de la toma, sino, lo que es más importante, de la experiencia, el viaje y las aventuras detrás de la fotografía.

Experiencia primero, tomas increíbles después.

Con demasiada frecuencia, las personas tiene una “visión de túnel” de su objetivo fotográfico cuando se aventuran a diferentes lugares y cuando las cosas no salen como las planearon, dejan todo y se van a casa. Yo era uno de esas personas.

Pero The Wicked Hunt me recordó que siempre hay belleza en lo mundano, tranquilidad en el caos. Todo lo que tienes que hacer es concentrarte en lo que importa.

Desde entonces, he capturado un trabajo único del que estoy muy orgulloso de diferentes aventuras que no resultaron como esperaba, pero esa es la belleza de The Wicked Hunt.

Las incertidumbres lo hacen emocionante, el giro de la trama de diferentes aventuras y los momentos inesperados que pude apreciar cuando la condición no resultó como había planeado.

Siempre digo, a veces se gana, a veces se aprende, pero es fundamental abrazar lo malo y disfrutar de lo bueno tanto en la fotografía como en la vida. Permanecer en el momento y aprovecharlo al máximo.

¿Qué esperas que la gente se lleve de tu trabajo?

Soy muy espiritual con mi obra de arte.

La fotografía me salvó de quedar atrapado viviendo la vida de otra persona. Estaba atrapado en una rutina mundana con un trabajo de 9 a 5. Solo esperaba el fin de semana, lo cual no está mal si se alinea con tus valores y lo que quieres en la vida. Pero, en última instancia, todos deberían ser honestos consigo mismos, y yo no lo era.

La fotografía me ha dado esperanza, propósito y felicidad. Recuerdo salir de la refinería por última vez. Nunca antes me había sentido tan libre.

Stanley Aryanto: Sitio web | Instagram | Facebook

My Modern Met obtuvo permiso de Stanley Aryanto para reproducir estas imágenes.

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En 2003, el fotógrafo alemán Olaf Otto Becker viajó al fiordo helado de Ilulissat en Groenlandia. Ubicado a 240 kilómetros  al norte del círculo polar ártico, el paisaje conmovió tanto a Becker que lo llevó a tomar un nuevo camino en su carrera artística. Desde entonces, el fotógrafo ha hecho más de una docena de viajes a la zona para capturar su belleza, pero también sus cambios.

El resultado es una serie de proyectos a largo plazo que rinden homenaje al increíble paisaje de Groenlandia, a la vez que dan a conocer los grandes cambios que se están produciendo en él. Como aventurero que es, Becker está dispuesto a arriesgarlo todo para conseguir la foto perfecta y, como tal, ha amasado un impresionante portafolio de imágenes.

En muchas fotografías, los icebergs aparecen estar aislados en el agua. Estos fragmentos se reflejan en el mar, mientras el brillo azul helado de la nieve cambia de color con la luz. Los icebergs son capturados casi como si Becker estuviera haciendo un retrato. Sentados ahí, flotando en el agua, cada uno tiene su propia personalidad. Al mismo tiempo, Becker no ignora el amplio paisaje de la zona. Algunas fotografías dan una gran sensación de escala, ya que el agua fluye a través del hielo, creando estelas de color azul claro a su paso.

Pudimos hablar con Becker acerca del importante trabajo que está realizando y preguntarle qué hace que Ilulissat sea una inspiración para él como fotógrafo. Lee la entrevista exclusiva de My Modern Met a continuación.

¿Qué fue lo que más te impactó del fiordo helado de Ilulissat la primera vez que lo viste?

En 2003, me paré por primera vez con mi cámara de gran formato de 8 x 10 pulgadas al borde del fiordo helado de Ilulissat a las dos de la mañana. Al final del fiordo, enormes icebergs habían encallado. Cientos de icebergs sobresalían de un mar de hielo roto que se extendía hasta el borde del glaciar a 40 kilómetros de distancia. El fiordo estaba tan lleno de hielo que se podría haber caminado por él para llegar al otro lado. El sol de medianoche pintaba el hielo de color rosa, morado, azul, verde y amarillo. Continuamente se oían sonidos parecidos a cañonazos que se producían al romperse los icebergs. Las gaviotas llenaban el cielo sobre esta escena de hielo con sus brillantes cantos. A veces su canto sonaba como una risa alegre.

Me encontraba ante a este enorme escenario con miles de artistas y una increíble escenografía, y yo era el único espectador. Qué momento.

¿Qué te llevó a dedicar tu carrera a documentar el cambio climático?

Como fotógrafo, uno suele volver a lugares en los que ya haya conseguido una fotografía increíble. Así que volví a visitar un glaciar en Islandia y me sorprendió este nuevo encuentro. La lengua glaciar había retrocedido considerablemente en pocos años. Quise saber cuál era la causa de este rápido cambio y escuché hablar por primera vez del calentamiento global provocado por el hombre. En aquella época no se hablaba mucho de este tema. Sin embargo, enseguida me quedó claro que estábamos ante un cambio importante para toda la humanidad. Por primera vez en la historia, el hombre está cambiando el clima porque sus acciones están revirtiendo procesos en la historia de la tierra.

Los carbonos fósiles se han acumulado durante miles de millones de años. Estos carbones han sido eliminados del ambiente durante este periodo de tiempo infinitamente largo. Ahora el hombre está devolviendo estas sustancias fósiles al ciclo climático activo, y esto tiene consecuencias dramáticas para nuestro hábitat. Me interesan las huellas que los humanos dejamos en esta tierra con nuestras acciones. El calentamiento global es uno de los problemas más importantes de nuestro tiempo.

Has pasado por experiencias muy intensas (incluyendo ser golpeado por un iceberg) a la hora de conseguir estas imágenes. ¿Qué es lo que te motiva?

Veo mi propia existencia como un gran regalo. Se me ha concedido una pequeña ventana de tiempo en esta tierra y ahora puedo crear una imagen de nuestro mundo con mis propios sentidos. Tengo mucha curiosidad y ansias de aprender. Mi curiosidad a menudo supera mi miedo al peligro. Aunque he superado muchas situaciones muy peligrosas, también soy una persona precavida. En todos los proyectos, el fracaso siempre tiene en cuenta en la planeación.

Si la posibilidad de fracasar también es parte de un proyecto, entonces también estás preparado para eso. Sin algo de suerte no estaría donde estoy ahora. Sin embargo, todo el mundo solo puede contar con una cierta cantidad de suerte. Ahora me he vuelto mucho más prudente. Mis proyectos actuales dan cada vez menos espacio a las aventuras difíciles de calcular.

En los más de 15 años que llevas documentando los cambios medioambientales en Groenlandia, ¿qué es lo que más te llama la atención?

No cabe duda de que cada año hace más calor de forma perceptible. Sin embargo, en los últimos ocho años, se ha vuelto muy popular viajar a Ilulissat para “observar” el calentamiento global. En verano, numerosos cruceros anclan frente a Ilulissat. Científicos, políticos y turistas de todo el mundo vienen a Ilulissat como si el calentamiento global solo ocurriera y fuera visible aquí. Sin embargo, el calentamiento global está ocurriendo en todas partes.

¿Cómo esperas que tu trabajo influya en nuestra forma de ver el paisaje?

Yo solo invito a la reflexión. El calentamiento global no se puede fotografiar. Cuando muestro fotos de flujos de agua en el hielo, eso en sí mismo no es nada inusual. Todos los veranos el hielo se derrite. Los icebergs tampoco son nada inusual. Existen desde hace miles de años. Sin embargo, si consideramos el calentamiento global provocado por el hombre, todas estas imágenes adquieren un nuevo significado. Las imágenes se convierten en símbolos de un cambio de nuestro hábitat que nosotros mismos hemos provocado. Y de repente, detrás de toda la belleza, hay miedo.

Esto es ambivalente y espero que nos haga reflexionar.

¿Qué mensaje esperas que la gente se lleve de tus imágenes? 

El mundo en el que vivimos sigue siendo maravilloso, y lo demuestro con mis fotos. El mundo puede funcionar sin el hombre, como lo hizo miles de millones de años antes de nosotros. Pero si queremos mantenernos lugar aquí, tenemos que recordar que la naturaleza nos ha creado.

Olaf Otto Becker: Sitio web | Facebook 

My Modern Met obtuvo permiso de Olaf Otto Becker para reproducir estas imágenes.

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“Icy Flight” por Paul Nicklen

Cien de los mejores fotógrafos de la actualidad se han unido en favor de una causa: salvar al planeta. A través del arte, buscan recaudar fondos para apoyar a organizaciones de conservación de base. Vital Impacts es una organización sin fines de lucro dirigida por la galardonada fotógrafa Ami Vitale y la reportera gráfica Eileen Mignoni. Juntas han reunido a algunos de los nombres más importantes de la fotografía y les han pedido a estos creadores que pongan su trabajo a la venta, destinando el 60% de las ganancias netas destinadas a campañas de conservación.

Ambas mujeres han dedicado sus carreras a contar historias que ponen bajo los reflectores los triunfos y desafíos de nuestros ecosistemas. Al trabajar juntas, han usado sus roles como líderes en la industria para impulsar un cambio. En este proyecto participan algunos de los fotógrafos favoritos de My Modern Met, como Cristina Mittermeier, Will Burrard-Lucas, Xavi Bou, Stephen Wilkes y Mitch Dobrowner. La Dra. Jane Goodall, la experta en chimpancés más famosa del mundo, también ha contribuido con varias fotografías que inmortalizan su importante labor.

La venta de impresiones actual se extiende hasta el 31 de diciembre de 2021. Hay ediciones abiertas y limitadas disponibles en varios tamaños. Las impresiones varían en precio, así hay algo para cada presupuesto. Estas imágenes son el regalo navideño perfecto: apoyan la lucha en favor de nuestro planeta y son una excelente manera de acercar el arte a tu hogar.

Tuvimos la oportunidad de hablar con Ami Vitale sobre el significado del proyecto y conocer más sobre las organizaciones que se están beneficiando de la venta. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met y disfruta de nuestras imágenes favoritas de Vital Impacts.

“Iceberg Graveyard Greenland” por Florian Ledoux

¿Qué inspiró este proyecto?

Durante los últimos 25 años, he estado informando sobre historias sobre los impactos de la humanidad en el planeta para publicaciones como National Geographic, entre muchas otras. La actividad humana ha puesto a un millón de especies de plantas y animales en peligro inmediato de extinción, provocando lo que los científicos han identificado como el sexto mayor evento de extinción en este planeta. Este evento de extinción es diferente: no solo es impulsado por humanos, sino que está sucediendo a un ritmo increíblemente rápido y acelerado. La eliminación de una especie clave tiene un efecto enorme en el ecosistema y nos afecta a todos. Estos gigantes son parte de un mundo complejo creado durante millones de años, y su supervivencia está entrelazada con la nuestra. Sin la vida silvestre, sufrimos algo más que la pérdida de la salud del ecosistema. Sufrimos una pérdida de imaginación, una pérdida de asombro, una pérdida de hermosas posibilidades.

Lo que suceda a continuación está en todas nuestras manos. La naturaleza resistirá si le damos una oportunidad, si le damos nuestro tiempo. Todos tenemos la capacidad de comprometernos y utilizar nuestras voces para lograr un cambio. Cada uno de nosotros será una voz mucho más poderosa cuando hablemos con las personas en nuestras vidas. Creo que primero debemos enamorarnos del mundo que nos rodea. El amor nos da el valor de marcar la diferencia. Pero sé que no se trata solo de amar este planeta. De hecho, eso no nos va a salvar. Lo que nos va a salvar es creer en las maravillas de este mundo. El maravillarnos nos permite ir más allá de las formas rutinarias de pensar y reimaginar nuestro futuro juntos. El maravillarnos nos muestra cuán profundamente conectados estamos los unos con los otros y que nuestras elecciones son profundas en su impacto. Todos queremos estar en el lado correcto de la historia y eso solo puede suceder cuando nos damos cuenta de que la historia es nuestra historia y nuestra historia es la historia de todos los seres vivos de este planeta. No debemos caer en la trampa de pensar que este tema es demasiado grande para tratarlo o que alguien más se ocupará de él. Es tu decision. Depende de mí. Depende de nosotros.

La fotografía tiene la capacidad única de trascender todos los idiomas y ayudarnos a comprender nuestras profundas conexiones entre nosotros y con toda la vida en este planeta. Es la herramienta definitiva para crear empatía, conciencia y comprensión entre culturas; una herramienta para dar sentido a nuestros puntos en común en el mundo que compartimos.

El origen de esta iniciativa es utilizar fotografías e imágenes narrativas poderosas para apoyar a las organizaciones que trabajan para proteger los hábitats en peligro y amplificar estas historias críticas. Este es un momento para reinventar nuestra relación con la naturaleza y entre nosotros. Todos debemos hacer todo lo posible para cuidar las plantas y las criaturas que habitan la tierra. Son compañeros de viaje en este universo. Nuestra felicidad futura depende de ellos.

“Kamera and Kilifi” por Ami Vitale

¿Cómo han respondido los fotógrafos a tu invitación para participar?

¡Ha sido increíble! Están trabajando arduamente para ayudar a promover esta venta. Las fotografías de todos los artistas que participan esta iniciativa son diversas, pero lo único que tienen en común es un compromiso compartido con el medio ambiente. La Dra. Jane Goodall (DBE), la experta más importante del mundo en chimpancés, también ha contribuido con grabados, incluyendo un autorretrato, así como con otras dos imágenes que muestran las extraordinarias vidas de los chimpancés que ha estado trabajando para proteger durante más de 60 años.

Nuestros otros colaboradores provienen de las portadas de National Geographic y de las galerías de bellas artes más prestigiosas del mundo. Algunos de los fotógrafos excepcionales son James Balog, Daniel Beltra, Nick Brandt, Chris Burkard, Jimmy Chin, Tamara Dean, David Doubilet, Beverly Joubert, Keith Ladzinski, Cristina Mittermeier, Jim Naughten, Paul Nicklen, Maggie Steber, Joel Sartore, Tim Flach, Carolyn Guzy, Matthieu Paley, Xavi Bou, Beth Moon, Ami Vitale, Stephen Wilkes, Reuben Wu, que se encuentran entre los cien fotógrafos que hemos seleccionado para esto.

“Calm Before the Storm” por Clement Mwangi

¿Qué te gustaría que el público supiera en términos de lo que se hará con su dinero cuando se realice una compra?

Apoyamos a las organizaciones que trabajan para proteger los hábitats en peligro de extinción y a los narradores que amplifican estas historias críticas. Las organizaciones son Big Life Foundation, el programa Roots and Shoots del Jane Goodall Institute, Great Plains Conservation's Project Ranger y SeaLegacy.

Big Life Foundation protege más de 600,000 hectáreas en el ecosistema Amboseli-Tsavo-Kilimanjaro en la frontera entre Kenia y Tanzania y emplea a más de 300 guardabosques masáis.

El programa Roots and Shoots del Jane Goodall Institute está liderando un movimiento global en conservación al equipar a toda una generación de jóvenes. Busca que se conviertan en ciudadanos activos y empoderados con mentalidad conservacionista en su vida diaria. Ahora que tiene una presencia fuerte y en crecimiento en casi 100 países, Roots & Shoots es una fuerza sin precedentes en la conservación y el aprendizaje basado en servicios, que brinda a los jóvenes el conocimiento y la confianza para actuar de acuerdo con sus creencias y hacer un cambio al ser parte de algo más grande que ellos mismos.

Frente a la pérdida de ingresos por turismo provocada por COVID-19, el Proyecto Ranger de Great Plains Conservation llena un vacío crítico en el apoyo al monitoreo de la vida silvestre, la prospección y las operaciones contra la caza furtiva de las ONG existentes en África. Es un fondo de emergencia que apoya a quienes están en la primera línea de la conservación; busca complementar los déficits presupuestarios de los socios locales en tierra mediante el financiamiento de los salarios y la prestación de apoyo operativo para los monitores de vida silvestre, los guardabosques y el personal contra la caza furtiva.

SeaLegacy apoya campañas de promoción innovadoras, que incluyen el apoyo de proyectos oceánicos vitales, innovadores y organizaciones de impacto que ponen la equidad y el medio ambiente en primer lugar.

Mira más de nuestras imágenes favoritas de la venta de fotografías de conservación de Vital Impacts.

“Elephant Spray” por Tim Flach

“Krill View” por Thomas Vijayan

“Ghost” por Will Burrard-Lucas

“Two Adelie Penguins” por Jonathan Irish

“Grand Canyon Day to Night” por Stephen Wilkes

“Ornithography #40” por Xavi Bou

“Mute Swans” by Graeme Green

“Kiss” por Jane Goodall

“Young Japanese Macaques” por Jasper Doest

“Arctic Color Study No. 5” por Acacia Johnson

“Secrets” por Cristina Mittermeier

“Fly Geyser” por Mitch Dobrowner

“Sharks” por Jonathan Z. Lee

“Shebehon Forest” por Beth Moon

“The Colobus” por Jim Naughten

Vital Impacts: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Vital Impacts para reproducir estas imágenes.

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Por cuatro décadas, el artista Stan Herd has usado la tierra como lienzo. Inspirado por su infancia en una granja en Kansas, Estados Unidos, Herd ha llevado su amor y conocimiento de la tierra a nuevas alturas con sus increíbles retratos. El más reciente, ubicado en Atlanta, fue creado en celebración del Día Internacional de la Niña y la Semana Mundial del Espacio. La pieza muestra a Stephanie Wilson, astronauta de la NASA, y mide 446 metros cuadrados.

Visto desde arriba con ayuda de un dron, es posible apreciar realmente los ricos detalles del trabajo de Herd. Las habilidades que ha cultivado después de tantos años de crear estas piezas, que él llama Earthworks, hacen que todo cobre vida. Herd no crea estas piezas solo, sino que considera que la colaboración es una parte importante del viaje. La creación del retrato de Stephanie Wilson fue un proceso que, como siempre, involucró a la comunidad. Por ejemplo, el marco que rodea el retrato detallado de Wilson está hecho de 1,500 mosaicos pintados a mano por niños del área metropolitana de Atlanta.

De hecho, el retrato de Stephanie Wilson es solo el último de una larga lista de arte impactante que Herd crea usando la tierra. Herd, quien también es pintor y escultor, puede pasar semanas e incluso meses trabajando para dar vida a sus piezas. Usando un sistema de cuadrícula, puede mover su trabajo, pieza por pieza, para dar con la imagen final que desea.

Tuvimos la oportunidad de hablar con Herd sobre su larga carrera, cómo surgió el retrato de Stephanie Wilson y qué Earthwork lo enorgullece más. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met.

Foto: The Art of Zarr

Has estado trabajando en tus Earthworks por mucho tiempo. ¿Qué te inspiró a iniciar este proyecto?

Como estudiante de historia del arte y un artista bastante prolífico en mi juventud, la escuela secundaria y la universidad, me alejé de mi sueño de ser músico y dirigí toda mi atención al arte como una forma de expresarme y, con suerte, mantener mi pobre estilo de vida. Tuve éxito en eso.

Como la mayoría de los artistas, músicos, escultores, actores y cineastas, quería estar a la vanguardia y crear arte que fuera único e innovador. Encontrar una nueva forma de “ver” estaba en todas nuestras mentes. Este tipo de obras acababan de alcanzar la aceptación en el mundo del arte en general, con Hizer y Christo ganando algo de tracción y seguidores.

Al ser un joven que había crecido en una granja de Kansas, decidí que sabía algo sobre la tierra y las personas que históricamente la trabajaban. Mi enfoque real estaba en las personas originarias: los nativos americanos en cuyas tierras se habían asentado mis antepasados. Dedicaría mi vida a crear obras de arte impactantes en la tierra de mis antepasados. También pinté una gran cantidad de pinturas, creé cientos de grabados e incursioné en el cine, la escultura y la música.

¿Cuál es la parte más satisfactoria de estas creaciones?

El elemento más satisfactorio de crear obras enormes con múltiples asistentes, terratenientes, horticultores, fotógrafos, estudiantes y la comunidad es la “naturaleza colectiva” de la experiencia: un sentimiento de utilizar la “creación” de la obra como catalizador para el intercambio y iluminación. Siento que las obras son, en el mejor de los casos, una plataforma para reflexionar sobre la naturaleza, la relación de la humanidad con la naturaleza, el medio ambiente y el arte como agente de cambio.

¿Qué tipo de herramientas utilizas al realizar estas piezas?

Las herramientas son similares a las de un jardinero, agricultor o arquitecto paisajista. Desde palas, azadones y rastrillos hasta sulfatadoras, tractores, arados, taladros, podadoras y, por supuesto, los drones que hoy en día capturan el progreso y nos permiten modificar la imagen debajo de la cámara en tiempo real. En los viejos tiempos, usábamos aviones y helicópteros.

Foto: The Art of Zarr

¿Cómo surgió la idea y la colaboración del retrato de Stephanie Wilson?

El proyecto de Stephanie Wilson se desarrolló a partir de mi retrato anterior de John Lewis creado en un parque en Atlanta como una táctica política para llamar la atención sobre la política “progresista” que condujo a las elecciones clave de “segunda vuelta” en Georgia. Mi colaboradora, Christina Korp, me pidió posteriormente que me involucrara en el programa Artemis, en el que participa la Sra. Wilson. Mis recientes conexiones de Atlanta con el ayuntamiento ayudaron a facilitar ese esfuerzo.

¿Tienes alguna obra de arte en particular de la que estés particularmente orgulloso?

Young Woman of China ha sido mi trabajo más ambicioso hasta la fecha. Pasé dos años en el suroeste de China trabajando con 150 trabajadores, ingenieros, artistas, albañiles, jardineros, operadores de maquinaria pesada y líderes empresariales chinos. La imagen es un tributo a los problemas de la mujer y la población indígena: 1.6 hectáreas, cobertura del suelo, flores nativas, mármol, piedra y granito. La imagen puede sobrevivir a un terremoto y durar cien años.

Stan Herd: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Stan Herd para reproducir estas imágenes.

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