Hace casi 30 años, el escultor Jeremy Mayer desarmó una máquina de escribir. Al hacerlo, descubrió un medio que combinaba la creatividad con su amor por la máquinas vintage. Como la mayoría de las personas de cierta edad, Mayer recuerda haber tenido una máquina de escribir en casa. De niño, quedó fascinado con su diseño y movimiento. Ahora, como adulto, sus esculturas, que retratan pájaros de todo tipo, son maravillas estéticas que nos hacen pensar en el pasado y hacia dónde se dirige la tecnología.

Cada escultura está hecha de partes de diferentes máquinas de escribir que Mayer ha coleccionado a lo largo de las últimas décadas. No usa pegamento ni soldaduras; las esculturas son construidas usando los tornillos, tuercas y pernos de la máquina de escribir.

“Todo el proceso es como [usar] bloques de LEGO”, le dice a My Modern Met. “Mi proceso de estudio consiste en construir un enorme rompecabezas con infinitas combinaciones, usando solo lo que tengo a mi disposición de inmediato. La construcción implica mucho desmontaje y luego montaje de la escultura en curso, ya que las cosas no siempre se quedan unidas o no se ven del todo bien a la primera. Puede ser increíblemente frustrante, pero siempre, en última instancia, gratificante”.

Desde cuervos que mueven la cabeza hasta delicados gorriones que pueden extender sus alas, las esculturas de pájaros de Mayer capturan magistralmente la personalidad de cada animal. Después de varias décadas de usar máquinas de escribir, una elección que inicialmente fue provocada por su amor por el reciclaje y las finanzas personales, aún encuentra inspiración en ellas. “Elegir esta forma específica de hacer arte y fomentar una relación con una sola máquina”, comparte Mayer, “ha sido un viaje gratificante y en constante cambio”.

Por supuesto, también es muy consciente de que algunos pueden tener reacciones negativas al hecho de que desmonte de estas máquinas, señalando que las personas a menudo hacen las mismas preguntas que él se hizo cuando desarmó su primera máquina de escribir. Estas preguntas incluyen, “¿alguien debería estar haciendo esto con una máquina tan útil y bellamente diseñada que ya no se produce? ¿Qué pasa con todas las personas que se escribieron entre sí con esta máquina? ¿Cómo puede [él] destruir una máquina que parece estar imbuida de una personalidad? ¿Qué dice esto sobre nuestra relación personal con las máquinas, particularmente a medida que la tecnología y la sociedad avanzan y evolucionan?”.

Pero, como señala Mayer, estas preguntas nos rodean a medida que evolucionamos constantemente y superamos los límites de la tecnología. Esto incluye, entre otros, la IA, el poder de las redes sociales y el ADN programable.

Mayer pregunta: “¿Qué es una máquina? ¿Qué es la vida? Todas estas son preguntas que solo puedo responder haciendo mi trabajo. Todavía no tengo ninguna respuesta, pero siempre siento que me estoy acercando”.

Para conocer más sobre el proceso creativo de Mayer y su amor por las máquinas de escribir, mira el documental California Typewriter de 2016. Si te gustaría adquirir una escultura, Mayer da informes a través de Instagram.

Desde hace casi 30 años, Jeremy Mayer ha creado esculturas con piezas de máquinas de escribir.

Su trabajo incluye esculturas de aves, incluyendo algunas piezas móviles.

 

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Para crear sus esculturas, Mayer desarma diferentes máquinas de escribir y une las piezas.

No usa pegamento ni soldaduras; todo se mantiene unido usando solo piezas de máquina de escribir.

 

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“Elegir esta forma específica de hacer arte y fomentar una relación con una sola máquina ha sido un viaje gratificante y en constante cambio”.

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Rodin, Miguel Ángel, Donatello: estos son los nombres de los grandes visionarios detrás de algunas de las esculturas más importantes de la historia del arte. Escultores como ellos poseen el gran talento de manipular sus materiales para dar vida a sus sujetos y desafiar las expectativas del público. Ya sea cincelando mármol o fundiendo en bronce, el poder de la escultura es innegable.

A lo largo de la historia, han existido varios escultores cuyo legado ha sobrevivido al paso del tiempo. Tal vez son recordados por su habilidad de crear figuras realistas o quizás se les aprecia por su voluntad de ampliar sus límites y desafiar expectativas. Sea cual sea su estilo, hemos compilado una colección de grandes escultores que han creado algunas de las piezas más famosas del arte occidental.

Desde la antigua Grecia hasta los modernistas del siglo XX y más allá, esta mirada al trabajo de 15 escultores famosos ofrece una guía del desarrollo del arte en occidente. Sin sus contribuciones, es difícil imaginar cómo serían las artes visuales el día de hoy.

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Praxíteles (siglo IV a.C.)

Praxíteles, “Afrodita de Cnido”, mármol, copia romana de un original griego creado en el siglo IV a.C. (Foto: Museo Nazionale Romano di Palazzo Altemps vía Wikimedia Commons, dominio público)

Aunque no sabemos mucho sobre los escultores de la antigua Grecia, un nombre ha sobrevivido al paso del tiempo. Gracias al trabajo de grandes autores como Plinio el Viejo y Vitruvio, Praxíteles se ha convertido en un referente de la escultura griega antigua. No se conserva ninguna de sus estatuas originales, pero conocemos su trabajo gracias a copias romanas de las originales. La Afrodita de Cnido es su pieza más famosa y es el primer ejemplo de una figura femenina a gran escala representada al desnudo. Esta escultura influyó en la forma en que la figura femenina sería representada en la escultura en los siglos venideros.

Esculturas importantes: Afrodita de Cnido, Hermes con el niño Dionisio, Apolo Sauróctono

Donatello (c. 1386-1466)

Donatello, “María Magdalena penitente”,  (Foto: Divot [Dominio público], vía Wikimedia Commons)

Esculturas importantes: David (1440), Gattamelata (1453), María Magdalena penitente (1455)

Miguel Ángel (1475-1564)

Miguel Ángel, “David”, 1504. (Foto: Fotos de archivo de Marta Pons Moreta/Shutterstock)

Aunque solemos relacionarlo con los frescos debido a su increíble trabajo en el techo de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel en realidad se consideraba a sí mismo un escultor. El artista creía que cada bloque de mármol contenía una obra de arte esperando salir al mundo, y que solo necesitaba tallarlo hasta encontrarla. Su icónica escultura de el David es uno de los símbolos más conocidos del Renacimiento italiano y ha inspirado a artistas de todas partes del mundo durante siglos. La dedicación de Miguel Ángel hacia su arte no conocía límites, y siguió trabajando hasta una semana antes de su muerte a la edad de 88 años.

Esculturas importantes: La Piedad (1499), David (1504), Esclavo moribundo (1516)

Gianlorenzo Bernini (1598-1680)

Ginalorenzo Bernini, “El rapto de Proserpina”, 1622. (Foto: Fotos de archivo de wjarek/Shutterstock)

Puede que no haya ningún otro artista que defina mejor el Barroco que Gianlorenzo Bernini, cuya extraordinaria carrera abarcó casi 70 años. Como niño prodigio, Bernini ya creaba esculturas de mármol a gran escala en su adolescencia. Eventualmente se convertiría en el arquitecto de la Basílica de San Pedro —siguiendo los pasos de Miguel Ángel— creando la icónica plaza y la columnata de la basílica, así como su baldaquino central de bronce. Un experto de los materiales, Bernini es conocido por su grandiosa habilidad para crear movimiento y llenar sus piezas de emociones. En sus manos, el mármol se transforma en carne y hueso, que parece tan real que casi querrás tocarlo.

Esculturas importantes: El rapto de Proserpina (1622), Apolo y Dafne (1625), Éxtasis de santa Teresa (1652)

Antonio Canova (1757-1822)

Antonio Canova, “Eros y Psique”, 1793. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

El escultor italiano Antonio Canova fue uno de los mayores representantes del Neoclasicismo en Europa. Su trabajo se inspira en la escultura de la antigua Grecia, y gran parte de su obra se centra alrededor de temas mitológicos. Si bien la influencia de Bernini es clara en sus primeras obras, Canova pronto dejó atrás las escenas melorámáticas del Barroco, optando por crear esculturas con una frialdad exquisita y libres de cualquier sentimiento o perturbación.

Esculturas importantes: Eros y Psique (1793), Las tres Gracias (1817), Teseo y el centauro (1819)

Auguste Rodin (1840-1917)

Auguste Rodin, “El pensador”, 1902 (Foto: Fotos de archivo de Sean Neal/Shutterstock)

Muchos consideran que el escultor francés Auguste Rodin trajo la escultura clásica a la edad moderna. De formación clásica, atrajo la atención internacional tras la exposición de sus obras en la Feria Mundial de París. Rodin sigue siendo uno de los artistas más reconocidos del mundo, con varias fundiciones de su obra El pensador localizadas en diferentes ciudades alrededor del mundo. Rodin es conocido por su habilidad para renunciar al realismo y la decoración en favor del uso de la textura, los detalles de la superficie y luces y sombras para transmitir emociones. Su enfoque en la emoción interior y el sufrimiento representa un punto de inflexión en la historia del arte y sirve como sello distintivo del modernismo.

Esculturas importantes: El beso (1882), El pensador (1902), La puerta del Infierno (1917)

Constantin Brancusi (1876-1957)

Constantin Brancusi, “Columna sin fin”, 1938. (Foto: Fotos de archivo de Radu Bercan/Shutterstock)

Constantin Brancusi, uno de los escultores más influyentes del siglo XX, fue un pionero del modernismo. Las tradiciones populares son una de las más grandes influencias del artista rumano, aunque también buscó inspiración en culturas fuera de Europa. Sus esculturas son conocidas por sus líneas limpias y geométricas, tal como lo demuestra su aclamada serie Bird in Space. Brancusi también creó una magnífica escultura al aire libre. Columna sin fin es una de las tres obras que creó para conmemorar a los héroes rumanos de la Primera Guerra Mundial. Las formas apiladas incluyen un medio romboide en la parte superior del tótem, que simboliza el infinito.

Esculturas importantes: La musa dormida (1910), Bird in Space (1928), Columna sin fin (1938)

Alberto Giacometti (1901-1966)

El escultor suizo Alberto Giacometti es quizás mejor conocido por sus delgadas y alargadas figuras. Su textura áspera permite al espectador ver la fuerza del escultor, que también fue pintor y grabador. Durante un periodo de seis años, a partir de 1938, Giacometti se centró en esculturas de pequeña escala, creando piezas de no más de 7 centímetros de altura. La obra de Giacometti es a menudo un referente cuando se habla del existencialismo y de la condición humana. Muchos estudiosos han sugerido que sus alargadas figuras se relacionan con la falta de significado de la vida del siglo XX.

Esculturas importantes: La nariz (1950), El gato (1954), El hombre que camina (1961)

Alexander Calder (1898-1976)

 

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El artista estadounidense Alexander Calder es famoso por haber ideado un nuevo tipo de escultura cinética. Conocidas como móviles, estas piezas exploran las capacidades del arte escultórico al incorporar movimiento libre, un elemento presente tanto en sus objetos móviles de suelo como en sus móviles suspendidos. Aunque hoy el nombre de Calder es sinónimo de este tipo de arte, su trabajo también incluye distintos proyectos creativos, desde una serie de esculturas inspiradas en el circo hasta una aeronave que embelleció en los años 70.

Esculturas importantes: Cirque Calder (1926-1931), serie de Móviles

Henry Moore (1898-1986)

Henry Moore, “Figura reclinada”, 1938 (Foto: Fotos de archivo de Ron Ellis/Shutterstock)

Conocido por sus esculturas públicas semi-abstractas, el artista inglés Henry Moore fue el escultor más relevante después de la Segunda Guerra Mundial, tanto en Gran Bretaña como en el extranjero. Su trabajo se centra en figuras reclinadas con el tema recurrente de madres e hijos. Las figuras de Moore a menudo se diseccionan en múltiples piezas; sin embargo, sus líneas limpias permiten a los espectadores ver claramente la figura dentro de la forma abstracta. Los aficionados a su trabajo querrán visitar su finca de 24 hectáreas en Perry Green, Hertfordshire. Ahora es propiedad de la Fundación Henry Moore y alberga la mayor colección de su obra.

Esculturas importantes: Figura reclinada (1938), Óvalo con puntos (1968-1070)

Sol LeWitt (1928 – 2007)

Sol Lewitt, ‘Tower', 1989. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)

Reconocido como uno de los fundadores del minimalismo y del conceptualismo, Sol LeWitt saltó a la fama a finales de los años 60. El artista estadounidense prefería el término “estructuras” en vez de esculturas. Se interesó mucho por las estructuras modulares, que a menudo eran de naturaleza cúbica, y gran parte de su trabajo se realizaba con bloques de hormigón apilados. Más tarde en su vida, comenzó a incorporar formas curvilíneas y colores saturados, lo que supuso un cambio total con respecto a su producción anterior. Un artista polifacético, LeWitt también es reconocido por sus dibujos en paredes, gouaches y proyectos arquitectónicos.

Esculturas importantes: Tower (1989), Pirámide de cuatro lados (1997)

Louise Bourgeois (1911-2010)

Louise Bourgeois, ‘Maman', 1999. (Foto: Fotos de archivo de tichr/Shutterstock)

Conocida por su arte público y sus instalaciones, la escultora francoestadounidense Louise Bourgeois alcanzó la fama internacional en 1982, después de que el Museo de Arte Moderno de Nueva York realizara su primera retrospectiva. Para ese entonces, la artista ya tenía más de 70 años y había disfrutado de una prolífica carrera. Basándose en sus propias experiencias de vida, sus esculturas exploran a menudo temas de familia, sexualidad y muerte. En la década de 1990, Bourgeois comenzó a utilizar la araña como símbolo en su arte. Maman fue producida como una edición de seis fundiciones de bronce y mide más de 9 metros de altura. La obra es una oda a la madre de la escultora, que murió cuando era niña, y habla de su fuerza y protección hacia su familia.

Esculturas importantes: Miedos (1992), Arco de histeria (1993), Maman (1999)

Fernando Botero (1932)

Fernando Botero, “Caballo”, 2013. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)

El prolífico artista colombiano Fernando Botero es uno de los artistas latinoamericanos más famosos y cotizados del siglo XX. Su estilo, que se conoce como “boterismo”, se caracteriza por sus figuras regordetas. Sin embargo, Botero ha señalado que él no pinta “personas gordas”, sino volumen. Este amor por las figuras voluminosas se traslada también a sus esculturas, que hoy están expuestas en espacios públicos de todo el mundo.

Esculturas importantes: Torso de mujer (1987), Gato (1989), Caballo (2013)

Anish Kapoor (1954)

Anish Kapoor, “Cloud Gate”, 2006. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 2.0)

Mediante sus exploraciones del color, el material y la forma, el escultor indobritánico Anish Kapoor nos invita a reflexionar sobre la forma en la que percibimos la realidad. Sus cautivadoras esculturas transforman el espacio e invitan al público a volverse partícipes de ellas a través de superficies reflejantes y campos de color que parecen no tener fin. Así, no es ninguna sorpresa que Kapoor sea considerado uno de los escultores más influyentes y cotizados de la actualidad.

Esculturas importantes: Sky Mirror (2006), Cloud Gate (2006), Descension (2014)

Jeff Koons (1955)

Jeff Koons, “Puppy”, 1992. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Jeff Koons es una de las figuras más reconocidas del arte contemporáneo. Este artista estadounidense irrumpió en el mundo del arte en los años 80 con una serie de aspiradoras comerciales que hizo pasar por esculturas. Desde entonces, ha seguido desafiando nuestras percepciones sobre la cultura de consumo a través de piezas que van desde estatuas inspiradas en la cultura pop hasta esculturas gigantes de animales hechos de globos.

Esculturas importantes: Rabbit (1986), Puppy (1992), Balloon Dog (1993)

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La artista japonesa Kaori Kurihara esculpe extravagantes esculturas de cerámica con forma de frutas y plantas exóticas, tanto reales como imaginarias. Sus exquisitas piezas se inspiran en gran medida en el mundo vegetal, especialmente en las formas y la repetición geométrica natural de las formas de la naturaleza. ¿Su primera musa? El durián: una fruta puntiaguda, comúnmente encontrada en las regiones del sudeste asiático, que es conocida por su apestoso olor y su sabor distintivo.

“Me sorprendió su forma única y magnífica”, comparte Kurihara. “Gracias a este descubrimiento, empecé a crear mi serie de ‘frutas imaginarias'… Me inspiro en la naturaleza y busco un equilibrio entre la realidad y la fantasía. Es mi propia imaginación”.

Kurihara también se inspira en las formas y texturas de otras frutas exóticas y de la vegetación tropical. Y con un pie firmemente plantado en la naturaleza y el otro rozando el mundo de los sueños, Kurihara elabora piezas imaginativas que son realistas y oníricas a a la vez. Cada una de ellas se construye a mano con una gran atención al detalle antes de ser adornadas con colores vívidos y llamativos.

“Quiero representar algo vivo, y sentir la vitalidad de mis piezas”, dice Kurihara. “Cada parte de la pieza debe ser tocada y trabajada, nunca dejo una parte en blanco… Si siento una conexión visual, eso significa que he tenido éxito”.

A pesar de lo intrincadas que son sus piezas de cerámica, Kurihara admite que el paso más largo del proceso es decidir qué pigmentos de colores usará para decorar sus creaciones. “La propia pieza me guía hacia sus colores”, explica. Cuando la visión de Kurihara se materializa, es difícil no quedar hipnotizado por las exquisitas texturas y los tonos matizados que adornan la superficie de sus extrañas y encantadoras frutas.

Mira más imágenes de las magníficas esculturas de cerámica de Kurihara a continuación, y sigue a la artista en Instagram y Facebook para estar al día con sus últimas creaciones.

La artista japonesa Kaori Kurihara fabrica magníficas esculturas de cerámica que rozan los límites entre la fantasía y la realidad.

Sus creaciones se inspiran en frutas exóticas y otros motivos naturales.

La artista combina elementos —tanto reales como imaginarios— para crear sus propias “frutas imaginarias”.

Cada pieza está hecha a mano y está adornada con una gran cantidad de detalles.

Y cuando la visión de Kurihara cobra vida, es difícil no quedar hipnotizado por sus encantadoras creaciones de cerámica.

Kaori Kurihara: Sitio web | Instagram | Facebook

My Modern Met obtuvo permiso de Kaori Kurihara para reproducir estas imágenes.

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Creativos de todo el mundo han sacado provecho a la pareja perfecta que forman la madera madera y la resina para crear impresionantes obras de arte. El artista ucraniano Yurii Myketka, mejor conocido por su proyecto Woodwhale Lab, se especializa  en producir esculturas de animales con una estética impecable a partir de esta mezcla.

Con sus cuerpos minimalistas y detalles pulidos, estas figuritas en miniatura son visualmente llamativas. Myketka crea estos atractivos diseños alternando la ubicación de la madera y la resina en la escultura, utilizando colores llamativos en tonos brillantes y simplificando las formas de los animales a partir de sus características más reconocibles. Como resultado, su colección de criaturas es a la vez encantadoramente entrañable y hermosa.

Desde pingüinos hasta zorros y pájaros pequeños, Myketka plasma una gran variedad de criaturas con su estilo distintivo. A veces crea a propósito parejas de animales con características que se complementan entre ellas, mientras que otras piezas se presentan individualmente como figurillas solitarias. Cada pieza, sin embargo, posee la esencia de la especie en la que está inspirada.

A continuación, ve algunas de las esculturas de animales de madera y resina de Myketka. Cuando no está produciendo criaturas de madera y resina, Myketka también hace tapices de pared personalizados, joyas y más. Echa un vistazo a su tienda de Etsy aquí.

El artista ucraniano Yurii Myketka, mejor conocido por su proyecto Woodwhale Lab, crea hermosas esculturas de animales de madera y resina.

Sus piezas más recientes consisten en parejas de animales que se complementan entre ellos.

Estas esculturas de zorros y pájaros son representaciones minimalistas de criaturas reales.

Yurii Myketka: Facebook | Instagram | Etsy

My Modern Met obtuvo permiso de Yurii Myketka para reproducir estas imágenes.

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Foto: Cata65

El arte público es una forma maravillosa de hacer que los transeúntes interactúen con su entorno. Añade una capa de interés y diversión a los espacios públicos concurridos, y también puede ser una parte funcional de la vida cotidiana de la gente. Este es el caso de una obra de arte del escultor y dibujante alemán Karl-Henning Seemann. La obra, que representa a un grupo de figuras de tamaño natural que se esfuerzan por hacer subir a un grupo de animales obstinados, sirve también de barandilla para subir una empinada escalera.

Parte de la escultura se extiende desde la base de la escalera hasta la mitad de la misma. Presenta una cuerda de bronce que une a un caballo que se niega a moverse, con los cascos firmemente plantados y la cola extendida, y a la mujer que lo jala desde el otro extremo. La segunda parte, que llega a la cima de la escalera, muestra aún más dramatismo; tres hombres luchan por hacer que una cabra suba la “montaña”; uno de ellos ha caído hacia delante y otro trata de salvarlo.

Seemann es conocido por sus esculturas dinámicas de tamaño natural. “Siempre me preocupa la cuestión de cómo puedo traducir el movimiento, la cuarta dimensión del tiempo”, dice su sitio web, “en el arte de la escultura que está ligada a la gravedad, sin que la escultura se congele en una sola pose”.

Esta pieza figurativa sin título, instalada en 1981, se encuentra en el distrito alemán de Schwäbisch Hall, frente a la oficina de administración del distrito (Landratsamt) de la ciudad. Las propias escaleras se conocen localmente como Kleine Treppe (escalera pequeña), en comparación con la Große Treppe (escalera grande), que son las escaleras situadas frente a la iglesia de la plaza del mercado de la ciudad. Ambos conjuntos de escaleras se utilizan estacionalmente como escenario para un teatro al aire libre, y la escalera pequeña suele utilizarse para el teatro infantil.

Es apropiado, ya que las dinámicas esculturas de Seemann parecen una especie de actuación en sí mismas. Son magnéticas y conmovedoras a la vez que se mantienen sólidas e inmóviles. “Mi trabajo siempre trata del conjunto”, explica, “de la síntesis de los opuestos: la dinámica y la estática en el volumen y el espacio, el ritmo de la forma en el efecto de larga distancia y de cerca, la libertad del arte en la conexión con una tarea: cuanto más fuerte es una, más grande es la otra”.

Puede explorar una amplia galería de obras de Keemann, que van desde esculturas de bronce hasta retratos a lápiz, en su sitio web.

Esta escultura de bronce, que representa figuras de tamaño natural que luchan por hacer subir a un grupo de animales obstinados por una “montaña”, también sirve de barandilla para subir una empinada escalera.

Foto: Cata65

La escultura, obra del escultor Karl-Henning Seemann, se encuentra en el distrito alemán de Schwäbisch Hall, frente a la oficina de administración del distrito de la ciudad.

Foto: Mendel Hoffman

Echa un vistazo a la escala de la escultura a través de Google Street View.

Karl-Henning Seemann: Sitio web
h/t: [Reddit]

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La artista Mariko Kusumoto, con sede en Boston, crea grupos de delicadas esculturas que parecen recién sacadas del océano. Sus jardines subacuáticos están hechos con una combinación de diferentes telas, y le gusta crear montajes lúdicos que despierten la imaginación del espectador.

Kusumoto usa poliéster, nylon y algodón en una gama de colores para hacer delicadas figuras que se asemejan a corales y criaturas marinas. Como resultado, estas esculturas de tela parecen delicadas al tacto y translúcidas ante la luz. “Mi obra refleja diversos fenómenos observables que estimulan mi mente y mis sentidos”, explica Kusumoto en su sitio web. “Los ‘reorganizo' en una nueva presentación que puede describirse como surrealista, divertida, graciosa o inesperada”.

El alcance de sus obras va desde figuras individuales hasta arreglos de múltiples esculturas de tela. En el caso de las obras más grandes, captan la esencia de un arrecife de coral: rebosante de color y de diversas formas orgánicas. “Una atmósfera lúdica y alegre impregna mi trabajo”, añade. “Siempre me gusta dejar cierto espacio para la imaginación; espero que los espectadores experimenten una sensación de descubrimiento, sorpresa y asombro a través de mi obra”.

Puedes ver el arte de Kusumoto en persona en una próxima exposición en el Museo Morikami y Jardín Japonés de Delray Beach, Florida, en noviembre de 2022. Mantente al día de sus últimos proyectos siguiéndola en Instagram.

La artista japonesa Mariko Kusumoto, con sede en Boston, crea esculturas etéreas con tela.

Usa poliéster, nylon y algodón en una gama de colores para hacer delicadas figuras que se asemejan a corales y criaturas marinas.

Mariko Kusumoto: Sitio web | Instagram | Facebook

My Modern Met obtuvo permiso de Mariko Kusumoto para reproducir estas imágenes.

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En las piezas de Akiko Mimasu, personajes etéreos y delicados emergen un material contrastante: la madera. Esta artista japonesa talla rostros tranquilos y adormilados en largos trozos de madera, cada uno de los cuales parece estar envuelto de forma segura dentro del tronco, como si se tratara de una cobija ajustada.

Con accesorios que parecen ser de felpa, estas figuras dormidas se ven completamente tranquilas; es como si tomaran una siesta cómodamente dentro del bloque de madera. Cada rostro está cuidadosamente tallado para mostrar una expresión joven y tierna con los ojos cerrados. Mientras que algunos de los sujetos están completamente cubiertos por el material base, otros tienen una o dos manos alrededor de la parte superior de la madera.

Es difícil descifrar la intención de Mimasu al crear estas enigmáticas figuras. Sin embargo, una interpretación puede ser una muestra de una relación armoniosa entre los materiales naturales y las personas. Mientras que las caras de los sujetos están cuidadosamente talladas para ocultar la textura natural del árbol, el resto del medio permanece en su estado original.

A continuación, ve más esculturas de madera de Mimasu y sigue a la artista en Instagram para estar al día con sus últimos proyectos.

La artista japonesa Akiko Mimasu talla figuras etéreas en grandes trozos de madera.

Estos sujetos anónimos parecen estar en un estado de sueño tranquilo.

Mientras que algunos de los individuos están completamente cubiertos por el material base, otros tienen una o dos manos alrededor de la parte superior de la madera.

Akiko Mimasu: Sitio web | Facebook | Instagram

Todas las imágenes vía Akiko Mimasu.

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Si tienes un perro, probablemente tienes cientos (si no es que miles) de fotos suyas en tu teléfono. Bueno, un artista del Reino Unido transforma las fotos de tus cachorros en tiernas esculturas en miniatura. Laura de Laura's Felt Dogs se inspira en perros de la vida real para crear esculturas de fieltro realistas y adorables.

El fieltrado con aguja consiste en “picar” piezas de lana hasta que se vean unidas y produzcan una forma redonda y firme. Como resultado de esta técnica y los materiales que utiliza la artista, las esculturas de Laura parecen retratos realistas de diferentes perros.

Desde perritos de orejas caídas hasta cachorros desaliñados, su diverso portafolio muestra la diversidad de sus sujetos. Y después de que Laura plasma con éxito la imagen del perro, siempre se asegura de agregar una sonrisa encantadora a su rostro, para que haga feliz a su familia una vez que llegue a su nuevo hogar.

A continuación, ve más perros de fieltrado con aguja y visita el Instagram de Laurapara pedir el tuyo.

Laura, la mente detrás de Laura's Felt Dogs, crea esculturas de perros con la técnica del fieltrado con aguja.

Cada uno está inspirado en fotos de cachorros reales.

Laura's Felt Dogs: Facebook | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Laura's Felt Dogs para reproducir estas imágenes.

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Los rostros humanos cobran vida en las esculturas industriales de Darius Hulea. Este artista con sede en Rumanía utiliza hierro, acero inoxidable, latón y cobre para realizar expresivos retratos inspirados en la historia y la mitología. Tomando los bocetos de los antiguos maestros como inspiración, Hulea traduce la rapidez y fluidez del dibujo en formas tridimensionales.

A pesar de la rigidez de su medio, sus esculturas muestran una soltura y espontaneidad que no suelen asociarse al metal. Muchas de las piezas de Hulea adoptan la forma de un hombre con pelo largo y barba, y entrelaza los alambres para imitar la apariencia de mechones largos y rebeldes. La densidad de los numerosos alambres individuales crea una interesante textura que recuerda al cabello que se mueve con el viento.

Además de crear pelo con alambre metálico, Hulea también encontró una forma de imitar el aspecto de la piel. En lugar de dejar los alambres como hebras largas e individuales, fusiona las piezas en una forma sólida similar a una placa. La única evidencia que queda de los alambres es un exterior lleno de textura, lo que le da una superficie táctil a la escultura.

Puedes estar al tanto de los últimos proyectos de Hulea siguiéndolo en Instagram.

Darius Hulea usa alambres de metal para crear fascinantes retratos humanos.

Su arte se inspira en la soltura y la fluidez del dibujo.

Hulea traduce estos elementos del dibujo en esculturas de metal de figuras inspiradas en la historia y la mitología.

Darius Hulea: Instagram | Facebook | Behance

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Cultivar y mantener un jardín puede dar mucho trabajo, pero la artista Raya Sader Bujana crea plantas diminutas que viven para siempre. Esta creadora con sede en Barcelona elabora una gran variedad de plantas que caben en la palma de tu mano. Cada una es idéntica a su inspiración en la vida real, solo que es mucho más pequeña.

Bujana estudió arquitectura en la escuela, pero siempre se interesó por las manualidades. “Las plantas en miniatura empezaron como un proyecto personal”, explica a My Modern Met. “No solo soy una miniaturista, sino que me encantan los detalles y los detalles realmente pequeños son un reto. Así que desafiarme a mí misma para ver hasta dónde podía llegar con los detalles en algo realmente pequeño era muy atractivo”. Elegir a las plantas como tema fue algo natural, ya que tenía su propia colección de plantas de interior.

Dependiendo de lo que quiera hacer, Bujana suele tener que cambiar o adoptar nuevas técnicas para adaptarse a la textura y la forma del objeto. “Creo que lo que más me gusta es el reto de la escala y el reto del propio material/medio”, añade. Con un nivel de detalle tan increíble, es difícil apreciar el trabajo de Bujana hasta que fotografía las esculturas junto a sus manos. Es allí cuando realmente se puede apreciar su minúsculo tamaño.

Puedes comprar piezas originales y más a través de la tienda de Etsy de Bujana.

La artista Raya Sader Bujana, con sede en Barcelona, crea diminutas esculturas de plantas.

Cada una es idéntica a su inspiración en la vida real, solo que es mucho más pequeña.

Con un nivel de detalle tan increíble, es difícil apreciar el trabajo de Bujana hasta que fotografía las esculturas junto a sus manos.

Raya Sader Bujana: Sitio web | Instagram | Behance | Etsy

My Modern Met obtuvo permiso de Raya Sader para reproducir estas imágenes.

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